En grandissant, on a vu la hausse du coût de tout : abonnement par câble, factures, pendant que le nombre de stations augmentait, le temps de consommation de télévision a peu cependant peu changé. Les réseaux « à valeur ajoutée » n’ajoutent pas beaucoup de valeur. Au fur et à mesure que le nombre de réseaux augmentait, la valeur réelle de la télévision ne semblait que diminuer…

Beaucoup de choses ont changé. La quantité de contenu – le mot qui a remplacé « art » et « création » au cours des dernières années – est étonnante, laissant une quantité insondable de programmes de télévision dans la file d’attente. Pourtant, beaucoup ont affirmé que c’était l' »ère d’or de la télévision ». Il est difficile de ne pas être d’accord. 

Alors que les bureaucraties administratives derrière les grands studios de cinéma prennent moins de risques, les studios de télévision par câble repoussent les frontières. Des spectacles comme « The Young Pope » et « The Leftovers » de HBO, les « Peaky Blinders » et « Sherlock » de la BBC, et « The Path » de Hulu ne prennent du succès grâce aux films indépendants. 

Au fur et à mesure que les habitudes de consommation tv des consommateurs se déplacent et que les producteurs se précipitent pour combler leurs besoins, la question de la valeur créative a été constante. Le New York Times, Farhad Manjoo, croit que les opportunités croissantes offertes par la révolution numérique sont en train de sauver la culture, poussant l’art à aller de l’avant sur de nouvelles plateformes multidisciplinaires intéressantes. Manjoo pense aujourd’hui que c’est « le début d’une remarquable renaissance dans l’art et la culture ». 

« Dans presque tous les supports culturels, que ce soit des films, de la musique, des livres ou des arts visuels, la technologie numérique ouvre de nouvelles voix, crée de nouveaux formats d’exploration et permet aux fans et autres créateurs de participer à un remixage heureux du travail. Ce n’est pas nouveau: des blogs aux podcasts vers YouTube, les 20 dernières années ont été marquées par une succession de formats qui ont baissé des barrières pour les nouveaux créateurs, pour explorer de nouvelles choses.

Il y a de la vérité, bien que Manjoo se révèle trop optimiste quant au nombre de succès. Il souligne une poignée de phénomènes de Patreon qui gagnent leur vie en tant que créateurs indépendants grâce aux abonnés mensuels. La technologie existe et ils ont profité de cela – un certain avantage pour ceux qui commencent dès le début. Cependant, le problème de la hausse des dizaines de milliers d’utilisateurs de Patreon reste. 

Est-ce un scénario différent du modèle de regroupement du câble. Dans le passé (les années 80), de petits réseaux pouvaient exister grâce à des monstres comme HBO, Showtime et Cinemax. Ce modèle fonctionne toujours pour des réseaux comme ESPN, qui gagne six à sept dollars pour chaque abonnement, le réseau le plus payé aujourd’hui. Leur succès permet aux autres joueurs, plus petits, de rester dans la course. 

ESPN fournit un exemple parfait de la nécessité d’un attrait de masse. Comme l’écrit le rédacteur en chef de l’Atlantique, Derek Thompson , le réseau a perdu son chemin dans les années 90. Il « a essayé de promouvoir chaque chose plutôt que de se concentrer sur quelques éléments ». La création de SportsCenter a marqué un redressement nécessaire. Pendant 14 années consécutives, c’était le numéro un. Pourtant, même maintenant, le succès repose sur de multiples plateformes: l’audience a chuté depuis 2010, alors que le lectorat sur le site Web a grimpé en flèche alors que sept millions de personnes s’inscrivent aux dernières nouvelles mises à jour dans leurs téléphones.

Le modèle d’abonnement est finalement la raison pour laquelle Manjoo est tellement enthousiaste à l’égard de la révolution artistique. Il note que Netflix a ajouté sept millions de nouveaux abonnés au cours du dernier trimestre de 2016, ce qui porte son audience totale à 94 millions. Spotify atteint jusqu’à 50 millions, Apple Music, 20 millions. Cela ne signifie pas que les créateurs sont correctement rémunérés

L’expansion des plateformes et la facilité d’accès ont jeté les bases d’un art interactif tout à fait nouveau. Alors qu’il s’inspire des temps passés – à la demande et intimité – la portée du monde en ligne est révolutionnaire. Les créateurs indépendants battent encore une structure hiérarchique d’entreprise sur les grandes plateformes tout en luttant pour attirer l’attention des fans potentiels sur un marché sursaturé. Du point de vue du consommateur, cependant, Manjoo est juste. Le processus de dégroupage nous a donné une plus grande flexibilité pour choisir exactement comment nous voulons expérimenter l’art que nous apprécions.

Est-ce toujours une bonne chose ? Qu’en est-il du potentiel de découverte ? Considérez un argument dominant l’avenir des réseaux sociaux: si vous ne voyez que des nouveautés, vous êtes d’accord avec l’interaction avec des amis qui partagent déjà vos valeurs, est-ce que le manque de points de vue alternatifs nous fait régresser en tant que société ? La même tendance est-elle possible dans les arts ? 

Alors que les médias sociaux alimentent délibérément l’information (et le placement du produit) pour garder les yeux collés et les doigts prêt à cliquer, les plates-formes de divertissement tentent de maîtriser l’art de la découverte. Pourtant, on ne peut pas compter sur une relation passive entre la plateforme et le consommateur. Je dois écouter mon Discovery Weekly chaque lundi et le Release Radar tous les vendredi sur Spotify…
Pourtant, de nombreux utilisateurs avec lesquels je discute n’ont aucune idée de ces fonctionnalités, car ils ne prennent jamais la peine de faire défiler la barre de navigation côté gauche. Quelle que soit la facilité avec laquelle Spotify fait découvrir de nouvelles musiques, l’entreprise ne peut pas contrôler votre inattention.

Bien qu’il ne soit pas facile de découvrir de la nouvelle musique, certaines entreprises semblent répondre aux désirs des consommateurs plutôt que d’honorer les créateurs. Une nouvelle fonctionnalité Netflix vous permet de faire sauter les crédits d’ouverture de film. La raison en est que les gens ne veulent pas supporter les répétitives 30-60 secondes de chaque épisode. Pourtant, pour les personnes qui ont travaillé pour le show – pas les acteurs, mais tout le staff autour, le superviseur de la musique, etc. – c’est leur seul fenêtre à toute reconnaissance au-delà de leur chèque de paye. La suppression de l’opportunité est une autre histoire.

Certains crédits d’ouverture sont des œuvres d’art autonomes qui donnent le ton pour le spectacle.

Ce qui pourrait juste faire partie du sacrifice de l’ère numérique. Il est intéressant de noter que ces questions rappellent une question séculaire: est-ce à propos de l’art ou du créateur ? Nous ne connaissons pas beaucoup d’auteurs de chansons folkloriques classiques. Ils semblent avoir toujours existé, puisque de nouvelles interprétations se produisent constamment. Par exemple, le premier enregistrement connu de « St. James Infirmary Blues » a été une reprise de Louis Armstrong en 1928 : l’année dernière, Yo-Yo Ma a publié cette magnifique version

Est-ce que le fait que nous ne sommes pas certains de l’auteur de la chanson est important ? Ou est-ce vraiment de l’art ? Je ne crois pas qu’il y ait une bonne réponse: notre opinion dépendra de la façon dont nous créons et consommons. Mais Manjoo a raison: aujourd’hui, nous sommes à une jonction fertile pour être à la fois artiste et fan. Là où cela mène est inconnu. Il y aura des gagnants et des perdants, comme c’est toujours le cas. Mon parti est de profiter de ce que nous pouvons, alors que nous avons le temps, car indépendamment du résultat, les arts nous donnent un sens en tant qu’espèce, qui sera toujours un aspect intégral de qui nous sommes.

Publicités

Laisser un commentaire

Ce site utilise Akismet pour réduire les indésirables. En savoir plus sur comment les données de vos commentaires sont utilisées.