À l’époque de la tv en continu, qui a encore besoin de séquences d’intro ?

Depuis que Tony Soprano a pris les spectateurs sur un voyage étrange sur la New-Jersey Turnpike pour la toute première fois en 1999, les séquences de titre télévisé étaient pour la plupart des choses simples.

Il y avait un plan de présentation: une vague en rouleau au large de la côte d’Hawaii, ou des hélicoptères transportant des vétérans blessés sur une montagne en Corée. Ensuite, une chanson thème montait, un refrain qui entête votre cerveau comme un jingle publicitaire: « Voici l’histoire d’une belle dame … » Certains noms apparaissaient aux côtés des acteurs correspondants. Le public central a été informé en termes clairs. La nounou s’appelle Fran. Dans le système de justice pénale, les personnes sont représentées par deux groupes distincts mais tout aussi importants. La vérité est « ailleurs ». Ensuite, la famille de dessins animés a convergé sur le canapé, et enfin la série commençait.

Les titres télévisés ont placé la scène, ont offert un exposé, puis sont sortis du genre. Ce n’était guère qu ‘un divertissement principal. Mais avec The Sopranos , et deux ans plus tard avec Six Feet Under, quelque chose a commencé à changer.

« Ce que nous espérions faire », explique Paul Matthaeus, le fondateur de Digital Kitchen, qui a conçu les titres originaux de Six Feet Under , « crée un contexte pour le spectacle où il devient instantanément plus significatif, plus pertinent et plus pénétrant pour le public avant qu’ils n’aient jamais vu la séquence numéro un. « Au lieu de simplement introduire une famille travaillant dans pompes funèbres et les acteurs qui l’incarne, l’ouverture de Six Feet Under a utilisé des symboles évocateurs pour canaliser les grands thèmes du spectacle: la vie et la mort, dépendance existentielle du corps. En 2001, c’était un superbe lancement. Radical. « Beaucoup de gens ne l’ont pas vraiment compris », a déclaré Danny Yount, directeur de la séquence, à Vanity Fair« Ils pensaient que c’était cool.

Bien sûr, en rétrospection, la rêverie abstraite de la séquence semble presque rudimentaire. Les 15 dernières années ont connu un développement régulier des génériques de manière toujours plus sophistiquée, depuis la violence quotidienne de Dexter, jusqu’au désespoir corporatif de Mad Men, à l’histoire personnelle étrange de Transparent, à la chaîne de production cauchemardes alimentant Westworld. Par rapport à leurs prédécesseurs, ces nouveaux génériques sont des films d’art raffinés et accomplis, quelque chose pour le spectateur que Moira Walley-Beckett a bien qualifié d’expériences autonomes qui font l’imagination ».

En fait, il existe maintenant tant de séquences suralimentées que nous vivons à travers ce qu’on pourrait appeler une sorte de renaissance (L’âge d’une Damn Good introduction?): Game of Thrones, The Leftovers, Orange is the New Black. Certains génériques sont tellement bons qu’ils menacent même de surpasser les programmes qu’ils encadrent théoriquement. Par exemple, Vinyl : l’introduction cokéfiée a été la séquence la plus stimulante de New York dans les années 1970 dans toute la série.

Cette renaissance a atteint un point culiminant en mars dernier, lorsque Starz a sorti son ouverture hallucinogène pour American Gods (extraordinaire) – l’a publié, c’est-à-dire un mois avant que la série ne sorte réellement. Dégagée de son matériau source, la séquence, dirigée par Patrick Clair, a pris une nouvelle vie et du dynamisme.

En même temps, la façon dont nous consommons les émissions de télévision a également changé de façon spectaculaire. Les services de streaming ont fait du binging mainstream, et dans le processus, ils ont transformé la nature même des séries que nous regardons. Comme l’a fait remarquer James Poniewozik dans The New York Times, il y a quelques années, les émissions télévisées en streaming constituent maintenant leur propre genre dans lequel les réalisateurs peuvent éviter des pratiques fastidieuses comme « répéter le pilote »: racontant des histoires répétitives dans les premiers épisodes pour mettre à jour les retardataires. Un résultat, les séquences d’intro peuvent être mal perçues dans ce nouveau genre, une nuisance pour les téléspectateurs qui n’ont que quatre épisodes dans une saison. Dans une réponse, ce printemps, Netflix a commencé à proposer un bouton « sauter l’intro », qui a permis aux téléspectateurs de supprimer complètement les séquences de début avec générique.

C’est un moment de contraste remarquable, avec des séquences d’intro en plein essor avec du potentiel et apparemment un séquence aussi en péril. Ce conflit soulève une question intéressante: au moment où les intros n’ont jamais été aussi bonnes, à quoi servent-elles encore?

Les Sopranos.

Si vous demandez à quiconque de savoir si la télévision de prestige existe, ils vous diront probablement que c’est l’histoire de HBO.

Le nom, « Home Box Office », pour HBO, a longtemps aspiré à dissoudre les limites entre le cinéma et votre salon. Une façon de le faire a été de produire du contenu télévisé aux niveaux de qualité Hollywood. Un autre moyen plus subtil mais pas moins efficace a été d’insinuer le prestige en ouvrant des séquences qui font écho au travail classique des créateurs de titres comme Kyle Cooper ( Se7en ), Dan Perri ( Star Wars) et Saul Bass ( Vertigo ). Pour élever la marque, en effet, HBO a co-opté et normalisé une caractéristique des films emblématiques: des artistes qui défient le spectateur de réfléchir plus en profondeur à l’histoire qui arrive.

La raison pour laquelle HBO a pu créer ce genre d’intro est à cause de la technologie. « La majeure partie de l’évolution de la conception du titre a été parallèle à l’évolution de la technologie utilisée pour le faire », explique Lola Landekic, rédactrice en chef de Art of the Title, qui a analysé les intros dans le cinéma et la télévision depuis 2007. La renaissance d’aujourd’hui est le résultat direct d’une « démocratisation des outils ».

Avant le milieu des années 1990, l’élaboration d’une séquence d’intro était difficile et laborieuse. Les graphiques en mouvement nécessitaient une installation comme Quantel Paintbox, dit Landekic. C’était un poste de travail dédié qui était exploité avec un stylet, et il était tellement coûteux qu’il n’était disponible que pour les studios de production les plus prestigieux. Quelque chose comme la récente séquence d’intro pour Stranger Things, qui a rendu hommage aux séquences d’ouverture de Altered States (1980) et The Dead Zone (1983), aurait été créée numériquement, puis « filmée » ou transférée au film qui a été traitée pour évaluer l’effet final. « Il n’y avait aucun moyen de faire rapidement un changement », explique Michelle Dougherty, le directeur créatif de la séquence Stranger Things.

Le coût signifiait que les studios étaient rarement disposés à expérimenter. Il fallait entrer dans la suite de production « en sachant vraiment ce que vous vouliez faire », rappelle Matthaeus, « et cela signifie que vous entrez dans la suite en pensant à des choses que vous avez vues auparavant ». Ce qui avait fonctionné une fois, fonctionnerait à nouveau. La répétition a égalé la sécurité financière. L’innovation a été considérée comme une extravagance insoutenable.

La révolution du bureau a changé tout cela. Des outils comme Quantel Paintbox ont cédé la place à CoSA After Effects 1.0, puis Adobe (qui a remporté un procès contre Quantel et finalement avalé After Effects pour devenir le leader de l’industrie). L’arrivée d’un logiciel de montage vidéo et d’animation sur des ordinateurs Macintosh puissants et abordables est ce qui a permis aux studios leaders de la conception des intros télévisées, dont Digital Kitchen, Elastic, et Imaginary Forces. Sans le saut technologique, ces studios n’existeraient pas, et nous pourrions encore regarder un texte blanc à travers les séquences en conserve.

Six pieds sous terre.

« La technologie nous a vraiment libérés de plusieurs façons », explique Dougherty. Elle travaille chez Imaginary Forces, où elle a produit des titres pour Jessica Jones et Boardwalk Empire, entre autres. Le technicien a permis de créer un certain jeu et d’expérimenter dans le processus qui pourrait avoir provoqué la dédicace d’un designer pour gaspiller des ressources précieuses. Par exemple, Dougherty a créé plusieurs alternatives avant d’atterrir sur la charte finale dans Stranger Things. Son éclat est le produit de l’essai et de l’erreur, de tester les idées et de les jeter, et même d’éclairer le film de Kodalith pour voir quel effet il produit. (Les imperfections ont ensuite été recréées à l’aide de After Effects. ) « Nous essayions vraiment d’avoir l’ impression d’un mauvais film des années 80″, dit Dougherty. Mais la « rugosité » de la séquence est minutieusement inventée, ce qui en fait un véritable travail minutieux.

Matthaeus compare l’approche moderne pour faire des titres à la façon dont le musicien Brian Eno crée sa musique. Eno voit son studio d’enregistrement, en soi, comme instrument de musique. Grâce à la sophistication abordable des logiciels numériques, le concepteur moyen peut maintenant traiter son ordinateur comme un instrument. Les concepteurs d’intro ont cessé d’être des techniciens, ils deviennent des artistes capables d’essayer de nouvelles choses. « Vous pouvez itérer beaucoup plus vite », explique Matthaeus. « Vous pouvez devenir tangible très tôt. Le modèle de conception et de création n’est plus aussi linéaire. « 

En janvier dernier, Alan Williams, qui dirigeait une équipe de cinq ou six designers chez Imaginary Forces, a produit la bande annonce complexe d’ Anne With a E , le récit controversé de Netflix d’ Anne of Green Gables.

« Je la traite presque comme une médecine légale », déclare Williams sur son processus créatif rapide. « Je vais enregistrer la conversation que nous avons [avec les showrunners], et je vais revenir en arrière et ré-écouter, et ré-écouter, et essayer d’entrer au cœur de ce qui fait cette histoire. » Williams est venu avec deux traitements originaux pour Anne Avec une E : un live-action et une animation. Lorsque l’option d’animation a gagné, Williams s’est tourné vers l’artiste Brad Kunkle, qui a produit huit peintures à l’huile dans son style distinctif. Les forces imaginaires ont ensuite photographié les peintures de Kunkle avec des caméras haute résolution et les ont transformées en rendus tridimensionnels. Des feuilles d’or et d’argent ont été filmées pour capturer le mouvement de la lumière. Ensuite, tout a été assemblé pour créer une séquence qui, il n’y a pas longtemps, aurait été incroyablement coûteuse, indépendamment de la durée de développement. Il a fallu plus d’un mois à Alan Williams et à son équipe.

La technologie a libéré les concepteurs à tel point qu’ils voient maintenant leur travail comme une narration complémentaire. Quand il s’agit d’Anne Shirley, « vous verrez son visage fleurir avec émotion quand elle voit ces choses différentes », explique Williams, mais dans le spectacle actuel Anne With a E , « vous ne verrez jamais comment elle le voit. » Williams a décidé que la séquence d’intro offrait une occasion inhabituelle de donner un coup d’oeil à l’intérieur de sa tête au début de chaque épisode. « C’est un personnage qui voit les choses avec émerveillement, la magie dans le monde. C’était notre moment. « 

Patrick Clair, qui travaille avec Elastic, est sans doute le maître moderne des séquences d’intro télévisée. Son travail comprend The Man in the High Castle (pour lequel il a remporté un Emmy en 2016), ainsi que DaredevilThe Night ManagerHalt et Catch FireThe CrownWestworld et, plus récemment, American Gods. Son style est métaphorique et abstrait, combinant des symboles très lourds de sens – la Statue de la Liberté, un aigle nazi – dans un vide sombre. Il a la sensibilité associative d’un poète.

Mais ce qui rend tout cela possible vient du changement radical dans la façon dont nous consommons notre culture populaire. « Internet nous a tous rendus super visuels ». Il existe maintenant une prime à rendre l’expérience humaine sous forme visuelle: vidéo, photographies, emoji, GIF. La culture visuelle « n’est pas seulement une partie de notre vie quotidienne », a déclaré le théoricien Nicholas Mirzoeff, « c’est notre vie de tous les jours». Comme les gens sont devenus plus habiles à communiquer des pensées et des idées à travers des images et des symboles, peut-être leur capacité à diviser des gradations plus subtiles des significations dans les visuels a également augmenté. C’est le même principe que l’alphabétisation: plus la personne est alphabétisée plus les livres les plus difficiles deviennent accessibles, de The Cat in the Hat jusqu’à Ulysses.

En d’autres termes, au fur et à mesure que notre culture est devenue guidée par Internet et par des technologies interactives, les monteurs de shows télévisés ont répondu en fournissant un baril d’images de plus en plus sophistiqué. « Notre capacité et notre tendance à pouvoir traiter beaucoup d’images nous rend friands de nouveautés », explique Matthaeus, « je pense qu’à un certain niveau, c’est une métaphore de la façon dont nos cerveaux fonctionnent maintenant ».

L’homme au haut-château.

Bien sûr, la technologie a également révolutionné la façon dont nous, en tant que téléspectateurs, regardons réellement les émissions de télévision. Les services de diffusion en continu et les appareils portables signifient que les abonnements au câble et les salles de visionnage ne sont plus nécessaires. Vous pouvez, si vous le souhaitez (et c’est complètement masochistes), regarder la saison entière de American Gods assis dans le métro.

La façon dont cela a influencé l’intérêt des séquences d’intro est difficile à sous-estimer. À un niveau, elles restent ce qu’elles ont toujours été: une liste de noms légalement mandatée attribuant des crédits aux personnes impliquées dans la production. Mais pour de nombreux shows qui rivalisent sur un marché de haute qualité et qui croît à un rythme exponentiel, ils sont maintenant utilisés pour générer de l’intrigue – ou, comme le dit Matthaeus, un sentiment chez les téléspectateurs potentiels de « Holy-crap« . Comme la couverture d’un livre, une séquence d’intro solide est utilisée pour inciter un public à choisir ce programme parmi les innombrables qu’il peut maintenant visionner n’importe où, n’importe quand.

Dieux américains.

Au cours du mois de mars dernier, certains abonnés de Netflix ont remarqué une nouvelle fonctionnalité lorsqu’ils ont lancé leur série préférée: un bouton « sauter l’introduction » qui leur permet de sauter la bande annonce instantanément. À l’époque, Netflix a assuré à The Verge qu’ils « effectuent des centaines de tests chaque année pour aider la communauté Netflix à se développer », et la société n’avait pris aucune décision pour déployer largement cette fonctionnalité.

Il y a des preuves qui suggèrent que si Netflix l’a fait, cependant, il pourrait faire face à une certaine résistance des spectateurs.

En fin de compte, cependant, personne ne semblait trop préoccupé par l’attaque secrète de Netflix sur leur travail. L’attitude générale est que les bandes annonces deviennent trop essentielles à l’identité de la télévision de prestige, trop d’un point de vue de discussion sur Internet, à disparaître entièrement sans provoquer une sorte de révolte de l’auditoire qui a accueilli American Horror Story.

En vrai, nous avons besoin d’être plongé dans l’ambiance, d’avoir un sas pour sortir de la réalité et pénétrer le monde de la série. Le générique d’intro nous sort de la réalité et nous attire dans les yeux du conteur. « 

 

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