Les galeristes choisissent-ils des artistes pour leur personnalité ou leur talent?

Qu’est-ce qui fait que le galeriste choisit de commencer à représenter un jeune artiste? C’est une question qui a vexé beaucoup de diplômés de MFA et qui reste opaque pour la plupart d’entre nous. Il y a quelques années, cependant, une scène dans un documentaire sur Andy Warhol soulève une question qui pique le cœur de la question.

Dans le film, Irving Blum, alors directeur de la célèbre Ferus Gallery à Los Angeles, raconte les circonstances qui l’ont amené à accueillir la première exposition de peinture en solitaire d’Andy Warhol en 1962. À New York, lors d’un voyage de scoutisme, des amis ont dirigé Blum vers le studio de Warhol, où le concessionnaire « ne pouvait donner ni queue ni tête » au travail de l’artiste. Le style d’art actuel à l’époque était abstrait, a-t-il remarqué. Blum n’aime pas particulièrement ce que Warhol faisait. Il dit dans le film qu’il était « confus son art ». Cependant, il continue: « J’étais engagé par le mec. » Il croyait en la personnalité de Warhol, sinon à la preuve de son talent, pour compléter sa galerie par l’ensemble de la Série « Campbell’s Soup Cans« .

L’anecdote de Blum a collé avec moi parce que cela se révèle à la fois tranchant et contre-intuitif: ce talent artistique pur pourrait compter pour moins de ce qu’on pourrait supposer dans la décision d’une galerie de représenter un jeune artiste. L’histoire pose d’autres facteurs qui doivent être pris en compte. Compte tenu de l’investissement important de temps, d’énergie et d’argent qu’un concessionnaire fera dans un artiste qui n’est pas encore reconnu sur le marché, on pourrait regarder au-delà du travail lui-même – à tous ces traits qui permettraient à un artiste d’être suffisamment stable pour surfer sur l’arc d’une carrière. Le personnage doit être la clé.

Jessica Silverman, de la galerie éponyme de San Francisco, a expliqué que la quantité limitée de travail disponible pour les galeristes potentiels à voir signifie que d’autres facteurs sont parfois utiles pour prendre une décision.

« Avec de jeunes artistes, vous avez seulement la possibilité de voir un ou deux corps de travail », a-t-elle déclaré, ajoutant que cela est particulièrement vrai pour les artistes qui ne sont plus scolarisés. « [Ils] ont commencé à travailler eux-mêmes ».

Même si ce que vous rencontrez dans le studio est fantastique, cela ne garantit pas que l’artiste ne se lâche pas sur une bouteille de gin ou, à cause du succès, se distrait par les choses brillantes que l’argent peut acheter. Comment Silverman a-t-il précisé le genre de potentiel que ces artistes non expérimentés ont ? Vous avez besoin, a-t-elle dit, d’évaluer des facteurs tels que « leur personnalité, leur niveau d’ambition et leur endurance, et les utiliser pour évaluer si ils pourraient créer de futurs corps de travail qui seront également intéressants. Parce que personne ne veut une merveille de succès.  »

Peut être pas. Mais Jack Shainman, dont la galerie opère à partir de deux espaces à New York et l’un des plus au nord de Kinderhook, n’est pas si sûr que les galeries peuvent se permettre le luxe de la prévision. Il se préoccupe de la notion de caractère.

« Pour moi, dit-il, il s’agit du travail. La personnalité de l’artiste n’a pas vraiment d’importance.  »

Shainman a déclaré que le monde de l’art est très différent de ce qu’il était au début des années 1960. À l’époque, les collectionneurs avaient tendance à acheter à partir d’une ou deux galeries, et les prix étaient, relativement, beaucoup plus bas. Aujourd’hui, il a déclaré: « Vous devez croire au travail à 10% lorsque vous le mettez sur les murs, car généralement vous devez le défendre ».

Qu’en est-il d’un artiste qui tombe, ou semble-t-il tomber, dans un abus de substances débilitante? Ce n’est certainement pas un problème rare dans l’enceinte de l’art. « Nous avons également traité », a déclaré Shainman. « C’était horrible. Ce n’est pas toujours un bol de cerises, mais si le travail est génial, vous faites ce que vous devez faire pour garder la relation et garder le travail dans la galerie « .

Pourtant, Silverman a été brûlé en faisant exactement cela. Elle rappelle un artiste dont elle admirait et croyait au métier, mais qui, comme elle le disait, « n’a pas pu s’engager pleinement dans sa pratique. Ce n’était pas comme s’il faisait de mauvaises choses. Il a eu un emploi à temps plein qui ne s’est pas connecté ou ne se rattachait pas à son travail. »Finalement, il s’est éloigné du studio.

Aux yeux de Sarah Gavlak, la galerie de Los Angeles et Palm Beach , des concessionnaires comme Shainman, qui croient sincèrement au travail sur le mur, sont une exception, une anomalie même dans le marché actuel de l’art. « Aujourd’hui, la plupart des gens regardent mal les artistes avec des motivations à peu près purement économiques », a-t-elle déclaré. C’est moins d’être un véritable croyant que de fomenter la croyance des collectionneurs et de forcer les ventes.

« Tout est très branché, et les galeries entrent toutes dans le train d’un artiste qui commence à vendre et a beaucoup de buzz, et ils créent ce marché pour le travail », a-t-elle déclaré. « Pour moi, c’est tout le contraire. Je travaille avec la plupart de mes artistes en raison de leur personnalité: ce qu’ils sont, ce qu’ils représentent, la façon dont ils regardent le monde, ce à quoi ils s’intéressent.  »

C’est souvent une personnalité qui lui permet de croire au potentiel de marché d’un artiste. Quand elle a amené l’artiste maintenant reconnue, Betty Tompkins – la plus connue pour ses peintures de génitaux pornographiquement réalistes – dans son écurie, Gavlak savait que les images ne seraient pas faciles à vendre. Elle croyait en Tompkins et dans son travail, mais pas sur le marché pour cela.

« J’ai été attiré par le défi que Tompkins a présenté, pour amener les gens à se redresser et à collecter le travail », a déclaré M. Gavlak. « Et pour les premiers projets que nous avons réalisés, nous n’avons vraiment pas beaucoup vendu. Ensuite, ça a commencé et ça a décollé.  »

Certains, comme Candice Madey, qui a récemment fermé sa prestigieuse galerie, On Stellar Rays, considèrent que le caractère de l’artiste et la croyance en l’œuvre sont inextricables. Afin de défendre et de placer une œuvre correctement, un galeriste doit sentir qu’il a une compréhension intime de cela. Souvent, cela signifie que l’artiste et le revendeur devront collaborer à l’établissement du bon message et à définir le contexte approprié pour les efforts de l’artiste, ce que Madey a déclaré nécessite cette double appréciation du travail et du caractère de l’artiste.

Madey maintient les projets Stellar sur rendez-vous et a représenté un éventail d’artistes plus jeunes et de pointe. Elle a déclaré que la décision de prendre de nouveaux artistes repose sur un certain nombre de facteurs qui favorisent une appréciation plus profonde du travail lui-même.

« Les intentions et le caractère de cette personne sont vraiment importants », a-t-elle déclaré. « Je pense que si je crois en la personne, je crois au travail ».

 

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