Comment Rodin a capté le désir humain dans l’argile et le bronze

Lorsque Le Baiser d’Auguste Rodin a été présenté pour la première fois aux États-Unis, à l’Exposition universelle de Chicago en 1893, il a été jugé inadapté à l’exposition publique. Toute personne qui voulait voir l’œuvre devait soumettre une demande individuelle.


Bien qu’il soit difficile de l’imaginer aujourd’hui, la sculpture en bronze représentant les amoureux italiens du XIIIe siècle, Paolo et Francesca, dans une étreinte amoureuse, était si viscérale et évocatrice qu’elle était considérée comme une œuvre aussi controversée qu’une œuvre comme My Bed de Tracey Emin, l’installation de l’artiste britannique nominée aux Turner Awards en 1998, dans laquelle elle montrait son lit non fait parsemé de mouchoirs sales.

 

Rodin a commencé Le Baiser vers 1883 dans le cadre de The Gates of Hell, une énorme commande lancée en 1880. Bien que le projet n’ait jamais été achevé, il allait devenir le travail le plus important de Rodin. Le concept original était d’illustrer le premier des trois cantiques formant la Divine Comédie de Dante, le poème épique du XIVe siècle que Rodin adorait et qu’il lisait sans cesse. Au moment de la mort de l’artiste en 1917, The Gates of Hell contenait 180 sculptures individuelles, dont plusieurs de ses œuvres les plus célèbres: Le Penseur, le magnifique et sensuel Torse d’Adèle, et le Printemps Eternel.
Pour Rodin, The Gates est devenu une sorte de laboratoire de la condition humaine dans lequel il a capturé les manifestations physiques de différents états et émotions avec sa modélisation expressive de l’argile et du bronze. Mais comment, au juste, a-t-il réussi à créer des représentations aussi élevées et absorbantes de l’expérience humaine?


Constant Simon, un mentor précoce et un artiste méconnu, a appris à Rodin à se concentrer sur l’atteinte de la ligne de contour dans son travail sous tous les angles, et c’est cette ligne chargée qui donne à son travail une telle qualité d’expression. Rodin décrit son observation attentive de la forme humaine vivante au peintre Étienne Dujardin-Beaumetz en 1913: »Je place le modèle de telle sorte qu’il se détache du fond pour que la lumière tombe sur ce profil. Je l’exécute et déplace à la fois ma platine et celle du modèle pour que je puisse voir un autre profil. Puis je les tourne à nouveau et je me fraye progressivement un chemin autour de la figure. »

Rodin travailla à petite échelle, utilisant de l’argile pour rendre ses maquettes vivantes, puis il fonda les pièces en plâtre et, avec l’aide d’assistants, les redimensionna pour les couler en bronze ou les sculpter en marbre. A cet égard, il était très différent de Michel-Ange, un artiste que Rodin admirait énormément et qui travaillait de façon réductive à partir d’un grand morceau de marbre. Rodin, qui venait d’un milieu humble, n’ a pas eu l’occasion d’apprendre à sculpter le marbre.
Sa méthode était plutôt additionnelle et fluide: il travaillait intuitivement l’argile de l’œil. Selon le dramaturge Bernard Shaw, l’artiste crache nonchalamment des gorgées d’eau sur son œuvre, se formant dans ses mains pour l’empêcher de sécher, de reconstruire ou d’enlever des sections en changeant d’avis.
Travaillant dans son atelier à l’Hôtel Biron (qui abrite aujourd’hui le Musée Rodin à Paris), Rodin demande à ses modèles, souvent danseurs, de tordre leur corps pour obtenir certaines poses sinueuses ou complexes. (Anna Halprin, la célèbre danseuse postmoderniste qui a longtemps admiré la physicalité et le drame émotionnel de l’œuvre de Rodin, a exploré les poses de l’artiste dans son récent film chorégraphié Journey in Sensuality-Anna Halprin and Rodin.

L’attention particulière que Rodin porte à ses sujets a produit un ensemble d’œuvres que Catherine Lampert, historienne de l’art, a considéré comme incluant les premières grandes représentations de la sexualité féminine. Dans des œuvres telles que le nu féminin d’Adèle, le spectateur peut s’engager dans l’état émotionnel et physique de la figure sans qu’aucun voile élitiste de connaissances classiques ou d’art-historique ne sépare le spectateur de l’œuvre. Le sens de l’œuvre est immédiatement accessible. C’était l’aspect le plus révolutionnaire du travail de l’artiste: Rodin rompit avec le monde académique.

C’est cette passion et la disponibilité infinie d’expériences sensuelles dans son travail qui ont apparemment déstabilisé les gens de Chicago. Aucune étreinte ne pouvait être plus tendre et désirée que celle des amants tragiques Paolo et Francesca dans Le Baiser de Rodin.

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