Le High Drama des couleurs chaudes sur un champ noir : l’art de Jason Karolak

Les couleurs de Jason Karolak attirent votre attention comme des LED clignotantes dans un casino de nuit.

L’exposition actuelle de Jason Karolak à McKenzie Fine Art, qui s’intitule Prospects, fait suite à celle présentée en 2015 et témoigne d’un raffinement et d’une concentration progressifs.

Malgré l’utilisation continue de motifs noirs et de couleurs électriques, il y a eu un changement radical dans la peinture de Karolak depuis la première exposition à la Flecker Gallery de Selden, New York.

Par rapport à ce qu’il fait maintenant, le travail à ce moment-là pourrait raisonnablement être qualifié de fouillis sacré et brûlant. Après avoir recouvert ses toiles gigantesques de multiples applications d’apprêt, il peignait toute la surface en rouge, qu’il cachait alors imparfaitement avec des couches de noir. Le rouge apparaissait souvent; des taches étaient oubliées et le grain de la peinture noire prenait une teinte rougeâtre.

Sur ce sol noir, Karolak peignait des dizaines de lignes aux nuances lumineuses de bleu, vert, jaune et violet qui prendraient la forme de dés maladroits, empilés et superposés les uns sur les autres. L’œuvre qui en résulte ressemble à une version linéaire de la peinture d’action, avec de la peinture qui coule, des surfaces marbrées et des pentimenti à profusion.

Ces peintures témoignent d’un grand talent qui s’épanouit à travers la romance d’une nouvelle découverte formelle, une danse folle sur un terrain inexploré. Si son travail ultérieur est plus sûr et mieux maîtrisé, c’est l’évolution naturelle d’une approche qui serait devenue malhonnête et franchement ennuyeuse s’il avait persisté dans la poursuite de l’improvisation sauvage – comme s’il ne savait pas ce qu’il était, quand tôt ou tard il le saurait, et qu’il aurait dû faire face à cette éventualité.

Ainsi, comme les toiles de son exposition précédente le suggéraient, la température de sa peinture s’est refroidie et il s’est moins impliqué dans la maîtrise du chaos et s’est engagé davantage dans le développement d’un sens personnel de l’architecture, le sol noir étant le point de passage le plus visible de son ancienne façon de travailler.

Et puisque l’utilisation du noir par Karolak est devenue l’une des rares constantes de sa peinture, son ubiquité présente un défi critique, précisément parce qu’elle est si belle, ce qui est une raison quelque peu perverse de soupçonner un ensemble d’œuvres.

Les couleurs fluorescentes qu’il utilise brillent invariablement avec une luminosité particulière lorsqu’il les applique contre le noir. Ces contrastes graphiques extrêmes sont saisissants et captivants; ils attirent votre attention comme des LED clignotantes dans un casino sombre dans la nuit. Certains diront que le fond noir est devenu une habitude, aidé et encouragé par le buzz visuel capiteux qu’il génère, mais ce serait une lecture hâtive et superficielle de la candeur et de la maîtrise de l’artiste.

L’utilisation du noir s’oppose aux délimitations formelles pratiquées par des dizaines d’artistes de l’après-guerre (commençant par Ad Reinhardt et Mark Rothko), et le fond noir peut être compris comme un tremplin pour l’invention formelle, également assorti de possibilités et d’embûches.

Le Caravage peignait toute sa surface d’un profond ambré et travaillait des passages plus légers, mouillés sur le mouillé, afin de créer son étonnant jeu d’ombres et de lumières. Bien qu’il y ait des Caravaggios qui utilisent un fond léger à moyen, comme l’incomparable « Panier de fruits » (vers 1599) à la Biblioteca Ambrosiana de Milan, il est impossible d’imaginer le drame élevé du tout aussi incomparable « Le Déni de saint Pierre » (1610) au Metropolitan Museum of Art de New York sans l’obscurité qui l’entoure.

L’information contextuelle minimale que Le Caravage fournit dans ses grandes compositions religieuses change l’intention de la peinture. Il ne raconte pas tant l’histoire du désavouement de Pierre envers Jésus, de peur que les autorités romaines se rapprochent, qu’il présente l’idée de la trahison et du remords (Pierre semble à la fois mentir et pleurer), tout comme son « Inspiration de saint Matthieu » (1602) aérien dans l’église de San Luigi dei Francesi à Rome incarne l’idée de l’inspiration.

Sans vouloir aller trop loin, les interactions formelles que Karolak a explorées jusqu’ à présent, y compris ce show actuel, semblent constituer une contribution distincte et convaincante à la conversation en cours.

Son imagerie rayonnante peut évoquer les circuits électroniques qui font vibrer la vie contemporaine et, à cet égard, le contraste élevé de la fluorescence contre le noir mat sert un but extravisuel. Mais ces associations se situent dans le contexte profond de la perception.

Ce qui est plus important encore, c’est la force avec laquelle le fond noir isole et met en avant les lignes et les formes, même celles articulées par des couleurs moins intenses, à tel point qu’elles ne se lisent pas comme des conventions de composition, mais comme une idée de la ligne et de la forme – des idéaux abstraits flottant dans l’espace platonique. C’est précisément ce sentiment d’isolement et d’idéalisation, et les innombrables possibilités qu’il y a à l’intérieur, qui justifient amplement l’utilisation constante du noir par Karolak, qui le définit comme un prémisse plutôt que comme un effet.

Les nouvelles peintures sont les plus variées jusqu’ à présent en termes d’imagerie, avec une plus grande emphase sur la couleur atténuée et l’ambiguïté spatiale. (Toutes les plus grosses pièces sont de peinture sur lin, tandis que les plus petites sont de l’huile sur lin sur panneau). Il y en a un, »Sans titre (P-1706) » (2017), qui se compose uniquement de six cercles verticaux appariés, disposés en triangle, de couleur – bleu clair au-dessus et vert sombre en dessous – de sorte que les cercles inférieurs brillent avec les reflets sombres d’un lac nocturne. Dans un autre, »Untitled (P-1713) » (2017), de petites lignes en trois couleurs (vert menthe pâle, bleu foncé et violet vif) zigzaguent sur le côté droit de la toile comme si vous grimpiez sur un flanc de montagne. Et dans un autre encore, »Sans titre (P-1626) » (2016), des lignes orange-jaune et jaune-vert forment des formes arrondies et courbes qui entourent un intérieur gris violacé.

Cette forme intérieure est l’une des nombreuses qui font office de terrain de jeu légèrement plus clair pour les plans de Karolak, des arènes d’expérimentation dont les bordures linéaires brillamment pigmentées semblent à la fois se défendre et se nicher dans les champs noirs enveloppants de la composition.

Regardez attentivement le gris chocolaté qu’il a posé sous les tuyaux des lignes coudées vertes, bleues et noires dans « Untitled (P-1642) » (2016), ou le gris violet rouillé chaud qu’il renferme dans la structure irrégulière, ressemblant à une maison à toit en croupe dans « Untitled (P-1661) » (2016), et vous remarquerez que les gris sont peints dans des couches successives de lumière sur fond sombre, avec les couleurs

Tout cela pour dire que Karolak a ouvert son imaginaire pictural à une variété d’interactions et d’approches, comme peindre la surface du lin avec une sous-couche de violet (« Untitled (P-1709), » 2017), qui est alors entièrement recouverte de noir à l’exception d’environ trois douzaines de points, où la couleur initiale renvoit une luminosité spéciale.

Toutes les toiles discutées jusqu’à présent sont de plus petits formats. Ces œuvres tendent à être compactes dans l’espace et rythmiquement intenses, tandis que les toiles plus grandes semblent plus ouvertes et amorphes, moins spatialement dues aux quatre bords de la toile. Le plus frappant est « Untitled (P-1714) » (2017), avec ses traits oranges en zigzags et verticaux, associés à un ensemble diagonal de lignes droites et bouclées violettes qui poussent l’orange en avant dans l’espace, tandis qu’un champ gris à peine perceptible plane comme une ombre géométrique derrière les diagonales violettes.

La plus petite des quatre grandes toiles, »Untitled (P-1665) » (2016), offre une image de maison semblable à celle de « Untitled (P-1661)« , évoquée plus haut, cette fois-ci parée de lignes vert émeraude et jaune-vert, mais dans un agencement de formes beaucoup plus sobres, comme si la plus grande taille avait invité la sensibilité innée classique de l’artiste à travers une porte dérobée. Les deux autres grandes toiles fusionnent une congrégation de formes irrégulièrement dessinées, avec un soupçon de figuration, bien qu’elles s’écartent de la semi-abstraction.

L’ironie, bien sûr, c’est qu’après avoir fait tant d’efforts pour comprendre pourquoi les motifs noirs de Karolak sont si justes, il peut se retourner et répandre un de ses champs gris chauds sur tout le plan de l’image, ou tout aussi facilement décider que son motif devrait maintenant être vert de mer, bleu cobalt ou rose chaud.

Il ne s’agit pas d’une spéculation oiseuse, étant donné que ses petites œuvres d’il y a quelques années étaient basées sur des ensembles de grilles multicolores, qui se détachaient de ses grandes toiles noires. Mais il est facile de parier que peu importe la direction qu’il prendra, pour quelque raison que ce soit, il sera captivant de penser et d’avoir l’air vraiment bien.

Jason Karolak: Prospects est au McKenzie Fine Art (55, rue Orchard, Lower East Side, Manhattan) jusqu’au 8 octobre.

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