De Basquiat à Pollock: sept biopics d’artiste que vous devez voir

Si vous n’avez pas vécu sous un rocher, vous savez que ce mois-ci a marqué l’ouverture de la rétrospective Barbican de Basquiat, la première grande exposition britannique à être consacrée au pionnier néo-expressionniste, décédé en 1988 à l’âge de 27 ans. Intitulée Boom For Real – et bien organisée pour coïncider avec un nouveau documentaire, Boom For Real  : The Late Teenage Years of Jean-Michel Basquiat – l’exposition comprend plus de 100 œuvres d’art, des peintures iconiques aux œuvres moins connues en collage, Xerox et performance, ainsi que des graffitis et de la musique, qui servent tous à mettre en évidence les intérêts encyclopédiques de Basquiat et son expérience en tant que jeune artiste noir

Comme pour tous les grands artistes, il est impossible de comprendre la production de Basquiat sans comprendre le monde qu’il a habité, à savoir la scène artistique créative et de plus en plus commerciale des années 80 de New York, si brillamment évoquée dans le biopic de Julian Schnabel, Basquiat, en 1996. Au pire, les biopiques d’artistes concentrent la vie de talents incroyables dans une chronologie d’événements transmis mécaniquement, mais à leur meilleur, ils peuvent fournir un point d’entrée immersif, informatif et enrichissant dans la vie, l’esprit, les expériences et l’environnement des créateurs, distiller la grandeur à son essence. Voici une liste de sept des meilleurs films du genre, à commencer par Schnabel, recréation envoûtante de l’univers de Basquiat.

1.1. Basquiat (1996)

L’artiste Julian Schnabel était particulièrement bien équipé pour raconter l’histoire de Basquiat au cinéma: non seulement il faisait partie de la scène new-yorkaise qui lança le jeune vagabond à la gloire, mais il était aussi un ami du peintre, mort d’une overdose d’héroïne huit ans avant la réalisation du film. Basquiat a été le premier metteur en scène de Schnabel et est un exploit remarquablement accompli, suivant le rêveur, interprété par Jeffrey Wright, lors de sa rapide ascension du graffeur itinérant au peintre célèbre dans les années 1980 à Manhattan. C’est une réflexion poétique sur le génie créateur et l’autodestruction, animée par une distribution stellaire, allant de David Bowie comme Andy Warhol et Courtney Love comme Madonna à Dennis Hopper comme célèbre collectionneur d’art Bruno Bischofberger. Que demander de plus?

2.2. Séraphine (2009)

Ce drame d’art dramatique du réalisateur français Martin Provost, mettant en vedette l’actrice belge Yolande Moreau dans le rôle-titre, met en vedette la triste mais fascinante histoire de Séraphine de Senlis (1864-1942), une gardienne dont l’intense attachement émotionnel et spirituel à la nature l’oblige à peindre. Inspirée par les œuvres d’art religieux, elle s’approvisionne en matériaux de partout et de n’importe où, du sang animal à la saleté en passant par l’huile de bougie, pour créer un tableau floral viscéral aux couleurs intenses. Ses talents sont découverts, par hasard, par le critique d’art allemand Wilhelm Uhde (Ulrich Tukur) en 1914 lors d’un séjour dans sa petite ville française. Mais les hauts sommets engendrés par un bref éclat de succès sont rapidement atténués par les réalités de la guerre et de la Grande Dépression, qui menacent les chances de succès et de bonheur de l’artiste mentalement fragile. Une introduction déchirante à un innovateur souvent négligé.

3.3. Goberge (2000)

Ed Harris réalise, coproduit et met en vedette dans ce portrait de l’artiste expressionniste Jackson Pollock, pionnier de l’expressionnisme abstrait, réalisé en 2000 – il dort aussi dans le lit de Pollock, fume sa marque de cigarettes et passe six ans à apprendre à peindre pour l’occasion. Et heureusement, ça rapporte. Refusant de romantiser le parcours rocailleux de Jack the Dripper vers la gloire, Harris évoque plutôt une image inébranlable de notre protagoniste grincheux et tourmenté, à commencer par New York en 1941, lorsque l’artiste rencontre sa future épouse et compagne de peinture Lee Krasner, Marcia Gay Harden, au cœur d’une dépendance à l’alcool. Avec son soutien, il attire l’attention de Peggy Guggenheim et du monde de l’art en général, changeant ainsi le cours de l’art moderne. Pollock est une enquête intelligente sur l’horrible doute de soi-même qui a tourmenté la « star de l’art » américaine tout au long de sa vie – un doute qu’il a imaginé que la célébrité guérirait, mais qu’elle a exacerbé, avec des conséquences fatales.

4. Tom of Finlande (2017)

La dernière offre du cinéaste finlandais Dome Karukoski, Tom of Finland, retrace le voyage du dessinateur érotique Touko Laaksonen, du soldat réprimé à l’icône de l’art gay. Laaksonen, incarné par Pekka Strang, revient de la guerre avec un officier décoré et prend position dans une agence de publicité d’Helsinki, réalisant ses fantasmes homérotiques d’hommes en uniforme et gonflé en secret à travers d’impressionnants sketches. Ses tentatives de vendre son art dans sa patrie clairement homophobe s’avèrent presque impossibles, mais avec un nouveau nom de plume et un éditeur LA désireux de se faire le champion de ses talents, il devient rapidement une figure culte involontaire en Californie dans les années 70, dans une histoire d’amour, de libération et de cuir savamment racontée.

5. Frida (2002)

Salma Hayek est Frida Kahlo dans le biopic visuel saisissant de Julie Taymor, le biopic du peintre mexicain passionné, qui nous guide à travers les moments marquants de sa vie extraordinaire, marquée par la douleur. Celles-ci s’étendent de sa première rencontre avec le muraliste Diego Rivera (excellemment capturé par Alfred Molina), qui deviendra son mari non pas une fois mais deux fois au cours de leur relation turbulente; son accident de tramway en 1925; ses diverses amours (dont une alliance avec Léon Trotsky) jusqu’ à sa mort prématurée à l’âge de 47 ans. L’utilisation par Taymor des œuvres de Kahlo, qui se fondent souvent dans la réalité du personnage, est un outil convaincant pour illustrer la pratique personnelle intense du peintre, qui lui permet d’échapper à l’angoisse physique et émotionnelle.

6. Camille Claudel 1915 (2014)

Une représentation rude mais gratifiante du cinéaste français culte Bruno Dumont, Camille Claudel 1915 raconte l’histoire de la brillante sculptrice française, jadis amante et protégée d’Auguste Rodin, dont l’effondrement mental en 1913 la voit placée dans un asile d’Avignon par sa famille dévote et chrétienne. C’est là qu’elle restera pour les 30 dernières années de sa vie, interdite de production artistique, et que le film la retrouve en 1915, en attendant la visite de son frère, le poète Paul Claudel, et tragiquement porteur d’espoir. Juliette Binoche est merveilleuse dans le rôle principal, sa représentation de Claudel à la fois révoltée et digne, alors qu’elle vit son présent austère et qu’elle embrasse son passé bohémien.

7. Portrait final (2017)

Ce nouveau biopic de Giacometti de Stanley Tucci, est arrivé à point nommé pour accompagner la célèbre rétrospective consacrée au peintre et sculpteur suisse, et s’avère tout aussi édifiante. Plutôt que de tenter de nous guider à travers les différents chapitres du passé narratif de Giacometti, Tucci se concentre plutôt sur une seule période: l’achèvement d’un de ses derniers chefs-d’œuvre, portrait de son vieil ami, le critique américain James Lord, à Paris en 1964. Geoffrey Rush donne l’une de ses plus belles performances à ce jour, incarnant le génie chaotique de Giacometti, tandis qu’Armie Hammer incarne le rôle charmant et exaspéré de Lord avec la même capacité, avec des résultats souvent hilarants qui amènent l’artiste et son époque à une vie vivante.

 

Basquiat: Boom for Real 

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