Les bouleversements émotionnels de la période bleue de Picasso

L’un des premiers qu’il produisit, La Mort de Casagemas (1901), se référait directement au suicide de Casagemas. L’œuvre d’huile sur bois montre le visage bleu-vert du poète enveloppé de couvertures blanches. Il a l’air presque paisible, comme endormi, mais l’ajout de Picasso d’un trou de balle sur la tempe de son sujet met à nu la tragédie.


Même avant le décès de Casagemas, Picasso avait déjà été confronté à une série d’autres morts dans sa vie. En 1895, sa sœur Conchita, âgée de sept ans, meurt de la diphtérie et en 1899, le peintre Hortensi Guell, membre du cercle de Picasso à Barcelone, se jette d’une falaise. Picasso était également au courant du suicide de Vincent van Gogh en 1890, et les chercheurs ont laissé entendre que les similitudes entre les tableaux de van Gogh et les coups de pinceaux impassibles et la palette lunatique du jeune PicassoLa Mort de Casagemas éaient en hommage à l’artiste décédé.

Le chagrin de Picasso pour sa sœur, ses amis et son peintre-héros se mêlait à ses propres conflits créatifs internes. Début 1901, il n’avait pas encore trouvé de voix artistique unique, ni vendu assez d’œuvres pour subvenir à ses besoins. « Tout cela, ces crises ont troublé Picasso et « ont formé une série d’événements suggérant que les artistes – du moins ceux qui vivent en opposition à la société ordinaire – sont voués à la souffrance et à la tragédie « , comme l’a souligné le conservateur William H. Robinson.

Picasso s’identifia à cette détresse, comme l’indiquait clairement un autoportrait de 1901. Alors qu’il n’avait que 20 ans quand il a peint l’œuvre, il se présente comme un homme goguenard, brillant et fragile – un homme qui semble avoir 50 ans, plutôt qu’un jeune homme énergique au début de sa carrière. Un spectre de bleus sombres et poussiéreux sature le sujet et le fond sur lequel il se tient, tandis que son visage est blanc bleuté, glacé, ses cheveux d’un bleu cobalt profond et ses yeux des puits bleu marine. L’impression générale est celle de la déception: un artiste tourmenté chassé de la société.

L’utilisation du bleu par Picasso pour communiquer la douleur et la désolation a été retracée selon de nombreuses sources. Il a été informé par des peintres symbolistes comme Paul Gauguin, qui remplissait des toiles en explorant des thèmes comme le destin humain avec du bleu. Prenons celui de Gauguin, D’où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ?(1897), où les ceruléens et les azur dominent la palette. Picasso était également attiré par le travail d’écrivains romantiques, comme les histoires de poètes tragiques d’Alfred de Vigny. Comme le souligne Robinson, le personnage principal du roman de Vigny, Stello est un poète « favori des étoiles », mais tourmenté par les « diables bleus » de l’ennui.

Les exutoires sont devenus les sujets préférés de Picasso pendant sa période bleue. En plus des artistes, il y avait d’autres personnes déchues: les prostituées, les alcooliques, les sans-abri et ceux qui se débattent avec les pressions de la vie quotidienne. Dans des œuvres comme Mother and Child by a Fountain (1901) et Buveuse assoupie (1902), Picasso se concentre sur deux femmes solitaires et repoussantes. Tous deux ont probablement été inspirés par ses visites à la prison des femmes de Saint Lazare, où les détenues souffraient souvent de maladies vénériennes. Les corps courbés et la palette bleu-gris de chaque sujet communiquent les difficultés quotidiennes, mais Picasso élève leur détresse en les enveloppant dans des manteaux qui ressemblent à des représentations de la Vierge Marie.

D’autres tableaux, comme Woman Ironing (1901), montrent des sujets démunis en train d’accomplir des tâches banales. Des universitaires ont suggéré que Picasso a utilisé ces œuvres pour répondre à un autre problème qui l’a persécuté pendant sa jeunesse: les mauvais traitements infligés à la classe ouvrière pendant la révolution industrielle.

Dans le tableau le plus célèbre de Picasso de la période bleue, cependant, il revient à la détresse de l’artiste. La Vie (1903) nous emmène dans un atelier d’artiste. Alors que des versions antérieures de la peinture, enfermée sous l’œuvre finale et révélée par les rayons X, montrent Picasso comme figure centrale, il dépeint finalement Casagemas comme son sujet. Il est nu à l’exception d’un pagne, car une femme nue l’agrippe, et les deux regardent une mère et son enfant. Derrière eux il y a deux toiles recouvertes de corps recroquevillés.


Chaque élément de la scène est porteur de vulnérabilité. L’artiste réunit dans une même toile les différentes facettes de ses maux: pauvreté, tristesse, angoisse créatrice et chagrin pour les perdus, comme Casagemas. Fait intéressant, ces radiographies ont également révélé que le tableau a été exécuté en plus d’une œuvre antérieure intitulée Derniers Moments, inspirée par la mort de sa sœur.
Peut-être qu’en réunissant ces différents moments de chagrin, Picasso en était aussi aux dernières étapes du traitement de son chagrin. En effet, peu après la fin de La Vie, il s’installe à Paris et sort de sa période bleue, dans une palette de roses doux et joyeux. « Les couleurs, comme les traits, suivent les changements des émotions « , explique Picasso plus tard.

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