Essayez de recréer la pose du David de Michel-Ange (1501-04) ou la Naissance de Vénus de Botticelli (vers 1486). Ou allongez-vous sur une chaise-longue pour imiter Olympia, d’Édouard Manet (1863). Vous constaterez que ces gestes peuvent être très différents de ce qu’ils semblent – et que certaines des poses les plus célèbres de l’histoire de l’art sont tout simplement impossibles à reconstituer.

Pourtant, indépendamment de leur précision anatomique, certaines poses classiques sont assumées encore et encore par les figures de l’histoire de l’art occidental. Selon ce vocabulaire visuel, le placement d’un bras ou d’une jambe peut transformer une figure anonyme en empereur, en déesse ou même en âme éternelle. Vous trouverez ci-dessous six des gestes les plus populaires de l’histoire de l’art, ainsi que les histoires qui se cachent derrière cet ancien langage corporel.

Composite

Les anciens Égyptiens représentaient le corps dans une tournure impossible, combinant de multiples perspectives en une seule position. Dans cette pose composite, utilisée dans les reliefs, les stèles et les peintures murales, le torse est tourné vers l’avant, tandis que la tête, les hanches et les jambes sont représentées de profil. Et même si le visage du personnage regarde sur le côté, son œil unique en forme d’amande fixe directement le spectateur.

Pourquoi contorsionner le corps de cette façon? Une des raisons est d’ordre pratique. Le nez et les pieds sont plus faciles à dessiner sur le côté, tandis que les yeux et les épaules sont plus faciles à tirer de face. Allez-y, essayez- vous verrez que c’est l’une des poses les plus simples à copier sur papier, même si c’est parmi les plus difficiles à recréer avec votre corps.

Mais ces contorsions avaient aussi des implications spirituelles. Les anciens Égyptiens croyaient que les âmes avaient besoin de maisons terrestres, comme des sarcophages sculptés ou des portraits peints, pour survivre après la mort. Conçue pour transmettre ce sens de la vie éternelle, la pose composite présente des figures inébranlables, immobiles et tout à fait intemporelles.

Contrapposto
David

Michelangelo Buonarroti David1501-1504Galleria dell’Accademia
Compton Contrapposto

Tandis que la pose composite dépeignait l’immobilité éternelle, le contrapposto (ou contrepose) inventé par les Grecs capturait le corps en mouvement. Les personnages en contrapposto semblent être pris au milieu d’un pas. Ils penchent tout leur poids corporel sur une jambe (parfois appelée jambe  » engagée « ), tandis que l’autre, plus détendue, plie légèrement le genou. Le torse, les épaules et la tête s’inclinent à l’écart de la jambe redressée, activant le corps dans une torsion dynamique.

Le Contrapposto pouvait tromper les spectateurs en leur faisant croire qu’un morceau de marbre ou un bout de toile était un être humain vivant et respirant – et ce sentiment de naturalisme sans effort captivait les Grecs. Une fois que vous connaissez la pose, vous la verrez partout, des chefs-d’œuvre de la Renaissance comme David de Michel-Ange au photographe contemporain Geneviève Gaignard Compton Contrapposto (2016).

Mais même si le contrapposto peut sembler naturel, il n’est certainement pas naturel. Pour le prouver, l’artiste conceptuel Bruce Nauman a tenté de rester dans cette pose historique en se déplaçant à travers un passage étroit dans sa performance vidéo de 60 minutes Walk with Contrapposto (1968). Le résultat? Une pas maladroit, claudiquant et contraignant, loin de l’effort que les Grecs voulaient faire.

Adlocutio (discours)

Auguste de Primaporta, peut-être une copie d’une statue de bronze d’environ 20 av. & Jacques-Louis David, Napoléon au Musée du Grand Saint-Bernard1801Belvédère

Si vous vous tenez en contrepoids, levez votre bras droit et levez l’index, vous êtes dans la position d’orateur. Dans l’histoire de l’art, cette position de commandement est surtout réservée aux chefs, en particulier à ceux qui s’adressent à leurs troupes pendant les combats.

Lorsque le maître néoclassique Jacques-Louis David peint Napoléon au Grand Saint Bernard (1801), il soulève le bras droit du chef français pour faire écho à celui de l’iconique Auguste. Gilbert Stuart a fait de même lorsqu’il a capturé George Washington (1796), et la plupart des représentations du président Mao présentent également ce geste.

Mais pourquoi ces leaders lèvent-ils les bras droits (plutôt que les bras gauche)? Dans les traditions artistiques occidentales, le côté droit du corps est symboliquement lié à la justice et à la divinité. Par exemple, les tableaux du Jugement dernier mettront en scène le saint s’élevant au ciel à droite du Christ, tandis que les damnés tomberont à sa gauche. Dans les portraits de mariages précoces, les hommes se tenaient à la droite de leurs épouses pour signaler leur statut élevé dans l’union. En conséquence, les bras droits levés d’Auguste, de Napoléon, de Washington et de Mao lient leur pouvoir aux cieux et rendent hommage aux grands dirigeants du passé.

Pudica

Aphrodite de Knidos, variante gréco-romaine sur le marbre original d’environ 350 av. , Sandro BotticelliVenus1490s »Botticelli… L’expulsion du Paradis.

L’Aphrodite de Knidos de Praxiteles (XIVe siècle av. J. -C.) est considérée comme la première sculpture monumentale d’une femme nue dans l’art occidental. (Les hommes, par contre, étaient déjà déguisés en sculptures depuis plus de 300 ans.)

Pour ce sujet pionnier, Praxiteles avait besoin d’inventer une nouvelle pose – avec un récit pour justifier la nudité sans précédent de son personnage. Debout en contrepoids, Aphrodite de Praxiteles remarque l’intrusion d’un étranger dans son bain. Dans l’original, la déesse recule, se précipitant pour couvrir son pubis d’une main et saisissant son vêtement de l’autre. (Actuellement, des copies d’Aphrodite semblent exposées, car ses bras de marbre n’ont pas survécu.)

Cette pose pudica (ou modeste) est rapidement devenue l’iconographie standard pour les femmes en art, annoncée pour son érotisme. En se couvrant, les femmes dans la pose pudica ont séduit les spectateurs, attirant l’attention sur leur sexualité. Et bien que la posture ait été adoptée par d’innombrables artistes – dont Botticelli, Rembrandt van Rijn et Pablo Picasso -, il est facile d’oublier le récit troublant qui en est au cœur: le geste d’une femme qui protège son corps des avances non désirées.

Serpentine


En 1506, un jour d’hiver, le chef-d’œuvre hellénistique grec Laocoon et ses fils (vers 40-30 av. J. -C.) fut découvert dans un vignoble romain. Avant que la pièce ne soit entièrement déterrée, Michel-Ange s’était déjà précipité sur les lieux, soucieux d’étudier et d’esquisser les anciennes figures de marbre.

La sculpture était une révélation, remplie de contorsions dramatiques jusqu’alors invisibles dans l’art occidental. Au lieu d’une légère torsion, le corps entier de Laocoön est complètement en torsion sur son axe central, ses membres inférieurs poussant dans une direction et son torse en spirale.

Les poses de serpentine sont saisissantes, sensuelles et presque toujours contre nature. Cette tension exagérée a séduit des artistes maniéristes et baroques comme Agnolo Bronzino et Gian Lorenzo Bernini, respectivement, qui voulaient donner à leurs images un mouvement plutôt que du naturalisme. Pour beaucoup, Laocoön avait jeté une ombre sur le contrepoids standard, montrant que les corps pouvaient exprimer beaucoup plus de drame émotionnel que l’effet d’un seul pas.

Odalisque


LES FEMMES DOIVENT ENCORE ÊTRE NUES POUR ENTRER DANS LA RÉUNION. MUSEUM

Quatre ans après la découverte de Laocoön, une autre convention art-historique voit le jour. En 1510, le peintre de la Renaissance Giorgione (peut-être avec un peu d’aide de son élève Titien) peint le premier nu féminin couché. Suite à la pose de pudica, Vénus endormie de Giorgione (1508-10) couvre son sexe d’une seule main tout en dormant au sommet d’une draperie dans un paysage pittoresque. L’étalage érotique, conçu pour plaire à ses spectateurs masculins, n’était admissible que parce qu’il mettait en scène une déesse, plutôt qu’une « vraie » femme.

Au cours du XVIIIe siècle, l’expansion coloniale a exposé les artistes aux cultures orientales – et de nombreux peintres se sont penchés sur le sujet du harem ottoman. Au lieu de dépeindre Vénus, des artistes comme Jean-Auguste-Dominique Ingres et Eugène Delacroix ont commencé à peindre l’odalisque (ou femme du harem) dans une pose suggestive et couchée similaire. Bien qu’elle n’était pas une déesse, l’odalisque était encore considérée comme assez « autre » pour sexualiser la figure sans reproche.

Avec Olympia, Manet devient la première artiste connue à placer une femme blanche moderne dans cette pose – et le public est choqué. Olympia ne couche pas passivement les yeux fermés, mais regarde directement les spectateurs, confrontant leur regard.

Et bien que le tableau soit révolutionnaire, Olympia s’ajoute à la longue liste d’œuvres d’artistes masculins mettant en scène des femmes nues dans cette pose. En 1989, la Guerilla Girls attira l’attention sur cette tendance en créant une affiche d’odalisque avec la provocation: »Les femmes doivent-elles être nues pour entrer au Met Museum? »

 

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