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Comment Pollock et les expressionnistes abstraits ont créé un nouveau langage visuel

En 1950, un groupe d’artistes écrivit une lettre ouverte au Metropolitan Museum of Art de New York. Un examen pour une exposition devait s’ouvrir au musée, »American Painting Today-1950« , mais lorsque le groupe a jeté un coup d’oeil au jury pour le processus de sélection des artistes, il eb a déduit qu’il ne comprendrait presque certainement que l’art plus conventionnel, dans les goûts alors conservateurs du Met. La lettre prétendait que le musée rejetait le travail de pionnier accompli dans les modes d’art « modernes » et « avancés » qu’ils pratiquaient depuis le début des années 1940.

Leur protestation provoquerait un clivage dans l’art américain, entre les différentes formes d’abstraction qu’ils pratiquaient – qui étaient soutenues par le Museum of Modern Art et son directeur Alfred H. Barr, Jr – et l’art réaliste que les conservateurs du Met considéraient comme la plus haute expression de la peinture américaine du XXe siècle.

Le magazine LIFE reprit l’histoire et publia en janvier 1951 un article intitulé « Irascible Group of Advanced Artists Led Fight Against Show ». Une photographie accompagnant l’article montrait un groupe d’hommes blancs très habillés (et une femme) qui semblaient équilibrés et assertifs, désormais appelés « les Irascibles »: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Barnett Newman, Mark Rothko, Richard Pousette-Dart, William Baziotes, Clyfford Still, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Ad Reinhardt, Bradley Walker Tomlin, James Brooks, Theodoros Stamos, Jimmy Ernst et Hedda Sterne.

Avec d’autres artistes qui signèrent la lettre ouverte – Hans Hofmann, David Smith et Louise Bourgeois – ces hommes et ces femmes formèrent la première génération d’artistes expressionnistes abstraits (souvent appelés New York School pour leur emplacement centralisé). Bien qu’ils aient travaillé dans une myriade de styles et apporté différents thèmes à la table de la création, ces artistes ont exposé ensemble et se sont rencontrés dans des studios, des bars et des cafés pour échanger des idées sur leur nouvelle forme d’art pionnier.

Les origines de l’expressionnisme abstrait

Dans les années 1930, au fur et à mesure que les événements qui ont précédé la Seconde Guerre mondiale ont commencé à se dérouler, plusieurs des artistes plus tard connus sous le nom des Irascibles travaillaient encore dans un style plus réaliste. Pollock a étudié avec le muraliste mexicain David Alfaro SiqueirosKooning et son compatriote Lee Krasner, futur expressionniste abstrait, qui s’est marié plus tard avec Pollock, et qui a été influencé par lui, ont peint pour la division murale du Federal Art Project du gouvernement des États-Unis pendant la Grande Dépression. Même Arshile Gorky, dont la forme lyrique de l’abstraction dans les années 1940 allait jeter les bases importantes de l’expressionnisme abstrait, peignait du figuratif dans les années 1930.

Bien que ces œuvres plus représentatives n’étaient pas caractéristiques des styles artistiques auxquels elles allaient appartenir, l’idée de créer de la peinture et de la sculpture à grande échelle dérivait de ce moment antérieur.

Le groupe a également été fortement influencé par les Surréalistes à la fin des années 1930. Alors que la marée du fascisme montait en Europe, la plupart des figures majeures du mouvement surréaliste ont été contraintes de quitter l’Europe, et plusieurs ont choisi New York comme refuge. On ne peut pas sous-estimer l’impact de leurs idées, techniques et thèmes – centrés sur l’automatisme, la mythologie et la psychologie – dans la formation de l’expressionnisme abstrait dans les années 1940.

La peinture d’action – terme inventé par le critique Harold Rosenberg qui se référait à la peinture – qui mettait l’accent sur la nature spontanée et l’action physique de l’application de pigment sur la toile-arose, par exemple, dans le but surréaliste de créer un chemin direct entre l’inconscient et le geste physique de la main afin de créer un mode d’art plus vrai et plus libre. De 1939 à 1940 environ, Pollock a subi une psychanalyse inspirée des théories du psychiatre suisse Carl Jung, qui l’ a conduit à rejeter l’idée de l' »accident« , affirmant qu’il n’ y avait pas d’éléments fortuits dans son travail, mais seulement les choses qui devaient exister à cause de ses désirs inconscients.

En 1941, Pollock visite l’exposition du MoMA « L’art indien des États-Unis« , où il voit des artistes navajos créer une peinture sur sable sur le sol du musée. Lui et d’autres expressionnistes abstraits s’intéressèrent profondément à l’art dit « primitif » – un terme problématique utilisé pour décrire l‘art des cultures non-occidentales ou indigènes – comme moyen de se connecter à la base de la créativité humaine.

« L’art primitif est devenu pour les artistes le rêve romantique de notre temps« , écrivait Newman en 1946, suggérant une résonance entre la « terreur » perçue dans ce style d’art et celle du monde moderne dans le sillage de la bombe atomique.(Si l’un des moyens de faire une oeuvre expressionniste abstraite était de prendre ce périlleux voyage pour confronter « l’autre« , le groupe ne comptait pratiquement pas d’artistes de couleur – bien que l’artiste afro-américain Norman Lewis aurait apporté des contributions importantes au mouvement et aurait influencé le travail de Hale Woodruff.

L’expérience traumatisante de la Seconde Guerre mondiale et l’héritage de la bombe atomique ont marqué la philosophie et les arts de l’époque. L’existentialisme de l’après-guerre, confronté au potentiel plus sombre de l’expérience humaine et à la nécessité d’authenticité dans le comportement humain, conduit certains peintres expressionnistes abstraits à considérer leurs toiles comme des espaces dans lesquels ils expriment leur moi le plus vrai, plutôt que de simples surfaces à recouvrir de peinture.

Pour ces artistes, le processus de réalisation d’une peinture est devenu un combat héroïque contre les luttes de l’existence humaine. Bien qu’ils n’aient jamais été un mouvement défini, les expressionnistes abstraits ont partagé la croyance que l’art abstrait pouvait communiquer des vérités plus profondes et plus universelles que la peinture ou la sculpture naturaliste, qui conserveraient typiquement une sorte de message culturellement défini. Au-delà des avancées formelles de leur art, l’expressionnisme abstrait est venu représenter la capacité de liberté dans la création artistique.

Les leaders de l’expressionnisme abstrait

La peinture expressionniste abstraite telle que nous la comprenons aujourd’hui se divise en deux camps:

  • la peinture gestuelle ou d’action
  • la peinture en couleurs

La peinture gestuelle désigne une œuvre dans laquelle le mouvement de la main ou du processus de l’artiste est très évident dans l’œuvre achevée. Par exemple, les peintures au goutte-à-goutte de Pollock ont été faites en versant littéralement de la peinture dans une boîte ou en l’égouttant d’un pinceau ou d’un bâton sur une toile posée sur le plancher de son atelier; les œuvres à grande échelle de Joan Mitchell montrent les mouvements aigus de son poignet, de son coude et de son épaule lorsqu’elle éclaboussait ou égouttait de la peinture sur la toile ou la poussait avec son pinceau.

La peinture en couleurs, d’autre part, a cherché à engager ou absorber le spectateur avec de grandes zones de couleur intense, comme dans les rectangles brumeux de Rothko richement mélangé de couleur ou les formes géométriques de Newman aux arêtes dures.

Dans le domaine de la sculpture, des artistes aussi divers que Smith et Bourgeois étaient considérés comme des expressionnistes abstraits. Les statues en acier soudé de Smith mêlent souvent des formes géométriques entrecroisées à des finitions métalliques brossées, ressemblant aux techniques picturales de ses collègues. Dans cette phase de sa carrière, Bourgeois crée des statuettes abstraites de bois mis au rebut qu’elle découvre et peint de façon à ce que son processus soit visible, remettant en question les conventions antérieures des œuvres « finies » de sculpture naturaliste.

Les femmes de l’expressionnisme abstrait

Ce n’est pas un hasard si Bourgeois fut l’une des rares femmes artistes à être associée à l’expressionnisme abstrait. Hedda Sterne, malgré son inclusion dans la photo « Irascibles » de 1951, peut-être coupée au cœur de ce déséquilibre lorsqu’elle dit dans une interview de 1981, »[Les hommes] étaient tous très furieux que j’ y sois parce qu’ils étaient tous suffisamment macho pour penser que la présence d’une femme les éloignait de la gravité de tout cela« .

Bien qu’elles aient apporté une contribution significative au groupe, les femmes artistes expressionnistes abstraites avaient tendance à être moins prises au sérieux que leurs homologues masculins. Pendant des années, les œuvres de Krasner ont été considérées comme des versions « rangées » des peintures révolutionnaires de son mari Pollock, malgré sa carrière qui a débuté deux décennies avant leur mariage. Des critiques semblables ont été formulées  pour Elaine de Kooning, et le succès d’Helen Frankenthaler, une expressionniste abstraite de deuxième génération, a souvent été attribué en partie à ses relations avec Motherwell et au célèbre critique d’art Clement Greenberg.

Néanmoins, les femmes ont exposé un nombre incalculable de peintures dans les grandes expositions expressionnistes abstraites, et leur travail est aujourd’hui reconnu comme un élément central du groupe. Des expositions telles que « Les femmes de l’expressionnisme abstrait » (2016) au Denver Art Museum ont continué à corriger les disparités historiques en exposant exclusivement des œuvres de femmes dans le camp de l’expressionnisme abstrait, notamment Krasner, de Kooning, Mitchell et Grace Hartigan, entre autres.

Pourquoi l’expressionnisme abstrait importe-t-il?

La liberté d’expression que les expressionnistes abstraits pratiquaient leur a valu une reconnaissance internationale, influençant des générations d’artistes dans le monde entier et plaçant New York au centre du monde de l’art occidental. Il a fait un tel retentissement dans le monde de l’art que les mouvements ultérieurs ont pratiquement dû y répondre.

Les manifestations de l’art performance et de ses précurseurs dans les années 1950 et 1960, depuis les Happenings de New York jusqu’aux expressions exubérantes et ludiques du groupe Gutai au Japon, embrassent la façon dont l’expressionnisme abstrait privilégie le processus de la création artistique, en évitant que le produit fini ne se concentre sur la performance elle-même.

Le Pop Art est né dans les années 1960 comme une nouvelle forme figurative de l’art basée sur la culture populaire de « bas niveau », en partie comme une critique des objectifs intellectuels de l’expressionnisme abstrait. La série de peintures « Brushstroke » (1965-66) de Roy Lichtenstein, par exemple, a pris des coups de pinceau humoristiques à la peinture gestuelle en la soumettant à sa technique scrupuleuse de divisionniste, tout sauf gestuelle, obtenue par sérigraphie.

L‘expressionnisme abstrait a également été envoyé à l’étranger dans les années 1950 dans des expositions parrainées par le gouvernement, dans le cadre d’une politique culturelle de la guerre froide pour montrer au monde à quel point les artistes étaient plus libérés aux États-Unis que dans l’Union soviétique, où le dogme stalinien dictait les styles dans lesquels les artistes pouvaient travailler.

Bien que les intellectuels d’Europe et d’Amérique latine n’aient pas nécessairement fait un bond en avant pour embrasser les objectifs démocratiques ou les initiatives impériales des États-Unis, ils ont souvent salué la liberté que la peinture abstraite américaine représentait dans les arts, et les praticiens contemporains de l’abstraction gestuelle et de la peinture en couleurs de style expressionniste abstrait ont émergé dans le monde entier, continuant jusqu’ à nos jours.

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