En tant qu’objet fonctionnel, la valise n’ a qu’un but assez limité – récupérer et emmener ses affaires du point A au point B. Mais en tant que trope, le bagage véhicule une grande complexité métaphorique et des problèmes qui doivent être déballés. En plus d’être un symbole de bagage émotionnel, la valise est un emblème de mobilité, évocateur de tous les voyages, des évasions glamour d’un jet setter ou du confort bourgeois des vacances en famille aux déplacements forcés d’exilés et de réfugiés.

Une valise peut évoquer toute une gamme de types itinérants, qu’ils soient professionnels (vendeur ambulant, performeur de scène, forain) ou plus libres (un vagabond, un marginal, ou un voyageur invétéré). Au fil des ans, de nombreux artistes, cinéastes, dramaturges, romanciers et auteurs-compositeurs, ont utilisé la valise à des fins symboliques (et pratiques). Ci-dessous, voici quelques représentations, des sacs à fromage Dieter Roth aux grilles de bagages empilés de Zoé Leonard.

Marcel Duchamp, Boîte-en-Valise

Quand Marcel Duchamp dit: »Tout ce que j’ai fait d’important peut être mis dans une petite valise« , en 1952, il ne se dévalorisait pas. Il se référait plutôt à sa Boîte-en-Valise, le réceptacle contenant les versions miniatures d’environ 70 exemplaires de ses œuvres d’art qu’il jugeait « assez importantes » pour les reproduire et les conserver ensemble pour les collectionneurs. Entre 1935 et 1940, Duchamp crée 20 éditions de la Boîte, qui sont aujourd’hui dispersées dans les musées et les collections privées. Comme un musée portatif, la boîte se déplie pour servir de mini mur d’exposition pour les œuvres réduites, qui varient légèrement d’une boîte à l’autre.
Le concept est le classique de Duchamp, qui a passé sa vie à bafouer la fixation du monde de l’art sur l’originalité et l’authenticité avec ses ready-made, ses reproductions et les nombreuses variations de chacune. Mais la valise a aussi une signification personnelle profonde, reflet de l’existence itinérante de Duchamp depuis de nombreuses années. Il s’installe de Paris, à New York, à Buenos Aires, revient à Paris et s’enfuit finalement à New York, en 1942, alors que les nazis avancent pour occuper la capitale française.

Claes Oldenburg, London Knees, 1966

From the Collection_1960-1969

Pour Oldenburg, la valise servait de conteneur pour une œuvre en plusieurs parties, mais elle offrait aussi un moyen de faire le lien entre l’art et les produits de consommation. Au milieu des années 1960, alors qu’il se forgeait une réputation de l’un des artistes pop les plus irrévérencieux, Oldenburg crée une série de propositions fantaisistes pour des objets banals et gonflés – des baguettes, un ventilateur électrique, des ciseaux – qui seront érigés en monuments civiques dans des villes du monde entier. London Knees (1966), une paire de jambes de femmes vues de mi-cuisse à mi-tibias, devait se tenir comme des tours jumelles géantes dans des endroits célèbres de Londres.

L’idée lui est venue en installant un spectacle dans la ville, où la tendance « mini jupe avec des bottes de go-go » a retenu son attention. Il s’émerveillait du paradoxe du voyeurisme masculin et de la libération féminine encapsulé dans les modes des années 60, et parlait de la façon dont « les fonctions architecturales et fétichistes des genoux étaient accentuées par la mode du port de bottes au mini ». Les sculptures de genoux à grande échelle n’ont jamais été réalisées, mais il en a créé une version – une maquette de genoux en latex de polyuréthane en 120 exemplaires, accompagnée de 21 gravures représentant les jambes imposantes in situ. Il rangeait l’ensemble dans une petite valise, comme une valise de transport pour les marchandises colportées par un vendeur ambulant – un geste plein d’esprit reflétant sa fixation sur le croisement du commerce et de l’art.

Dieter Roth, Staple Cheese, A Race, 1970

En 1970, pour sa première exposition aux Etats-Unis, l’artiste germano-suisse Dieter Roth a rempli 37 valises avec des blocs de fromage déballés, du brie au camembert en passant par le cheddar. Il les installa à la Eugenia Butler Gallery de Los Angeles, un foyer d’expérimentation avant-gardiste éphémère mais très influent à l’époque. Butler avait aidé Roth à trier les valises non souillées qui, au début de l’exposition, étaient disposées en rangées, comme s’il attendait leurs propriétaires. La scène évoquait quelque chose du glamour et de la prospérité de l’ère des jumbo-jet, mais le parfum de la respectabilité bourgeoise n’était qu’une feuille pour couvrir ce qui pourrissait à l’intérieur.

Dans le cadre de la présentation, une valise était ouverte chaque jour, ce qui augmentait la puanteur épouvantable qui se répandait dans la galerie. Le fromage était une surprise pour les galeristes qui ne connaissaient pas Roth, mais le célèbre artiste expérimental avait une histoire avec des matériaux périssables, comme le chocolat et la saucisse. Son inspiration ici, cependant, est venue d’une exposition qu’il a vue pour la première fois à la galerie – une sélection d’œuvres du provocateur de Fluxus, George Brecht. Roth pensait que l’œuvre était  » fromagère  » et insistait pour que Butler la laisse en vue pendant toute la durée de sa propre expo, qui comprenait également des  » courses de fromages « , où des morceaux de fromage étaient jetés sur un mur pour voir ceux qui coulaient jusqu’au sol le plus rapidement.

Les valises devinrent rapidement des amats d’asticots, et les autorités sanitaires tentèrent de fermer l’exposition après trois semaines, accusant Butler d’utiliser la galerie « pour permettre la reproduction ou l’hébergement des mouches ». Après sa fermeture définitive, Roth construisit des conteneurs de stockage spéciaux pour loger les valises, et Butler les garda quelque temps – jusqu’ à ce que son mari les jette au milieu du désert.

Robert Gober, Untitled, 1997

Robert Gober: The Heart Is Not a Metaphor

La valise est un symbole évident du secret, mais Robert Gober a poussé cette idée plus loin, transformant un bagage en un portail vers un monde privé. Le grand boîtier noir est ouvert sur le sol, ressemblant aux bagages déballés de quelqu’un. Mais un coup d’œil à l’intérieur révèle une grille métallique recouvrant un drain, qui mène à l’eau courante et à un petit bassin. Nichés parmi des amas d’algues et de petits cailloux, les jambes nues d’un homme (un thème persistant chez Gober), aux côtés des jambes d’un enfant.

L’œuvre semble vaguement sinistre, ressemblant à un égout en quelque sorte, mais elle est aussi utopique – une échappatoire à la corvée de la vie quotidienne. L’éducation catholique de Gober éclaire une grande partie de son travail, et il a été suggéré que l’homme et l’enfant pourraient être une allusion à Saint-Christophe, le saint patron des voyages, qui a porté l’enfant du Christ à travers une rivière en lieu sûr. Plus que tout, jeter un coup d’oeil dans le drain donne l’impression de tomber sur quelque chose qui n’est pas censé être vu, même si ce qui existe peut être beau et magique.

Bruce Conner, valise, 1961-63

Résistant aux conventions pendant une grande partie de sa carrière, Conner a défié l’idée qu’une œuvre d’art est un objet statique dont le dernier lieu de repos est un musée ou une galerie. Dans les années 1960, dans un geste révélateur, il a attaché des poignées de tissu à plusieurs de ses assemblages de déchets trouvés pour les rendre portables. Mais à la manière de Conner, quand il s’agit de sa Valise (1961-1963), il rejette les caractéristiques déterminantes de l’objet – portabilité, contention – au lieu de transformer la pièce en quelque chose d’inutile et décoratif.

Cire fondue, laissée par des bougies qui, une fois posées sur la valise, recouvrent sa poignée et ferment hermétiquement son ouverture. En l’utilisant comme surface, Conner recouvrit la valise de bouts de papier collés, y compris une vieille image de ce qui semblait être le Christ flanqué d’Elie et de Moïse, soigneusement encadrée d’une frange ressemblant à un vêtement liturgique. Usé et décoré avec passion, l’assemblage pourrait être un objet de dévotion appartenant à un nomade spirituel.

Conner avait le don de mettre à jour certains des aspects les plus sombres des États-Unis – la violence, la guerre, le dogme religieux – et cette pièce s’inscrit certainement dans cette histoire. Mais il se distingue aussi de ses autres compositions des années 1960. Il superposait souvent ses matériaux trouvés – bouts de dentelle, vieilles photographies, meubles délabrés, franges, plumes, vêtements et tout ce qu’il pouvait trouver – derrière les gribouillis des bas de nylon des dames pour former des réceptacles en forme de boîte, mais dans ce cas-ci, c’est toute la surface, et les spectateurs n’ont pas accès à l’intérieur. Il y a quelque chose de très intime, du fait que son contenu soit scellé, avec ce but de ne jamais être révélé.

John Wesley, Suitcase, 1964–65

L’extérieur d’une valise est la surface idéale pour John Wesley, le seul artiste sur cette liste dont le médium principal est la peinture sur toile. Wesley a un style plat et graphique et apprécie les motifs inspirés des bandes dessinées et de la publicité. Par conséquent, il a été considéré comme faisant partie du mouvement pop du XXe siècle, mais les critiques l’ont également qualifié de surréaliste. Son motif fréquent d’une femme rose nue pliée en deux fusionne l’absurde et l\érotique ainsi que la toute puissance surréaliste. La valise elle-même, quant à elle, est un terrain privilégié pour l’appropriation de la Pop, en tant qu’objet banal et fabriqué qui facilite le consumérisme du voyage.

Wesley a créé cette œuvre pour la première fois en 1964, recouvrant une valise en cuir avec des panneaux de toile peints. L’endroit où se trouvait l’œuvre était inconnu jusqu’ à ce qu’elle apparaisse dans une vente aux enchères en 2011, deux ans après que Wesley ait collaboré avec Beyer Projects pour recréer la valise sous forme d’édition en bronze. L’original montre une vue frontale et arrière de la femme sur les deux côtés du sac, tandis que la recréation a des marguerites roses à sa place.

Pour d’autres valises artistiques, par ici.

 

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