Dans le monde de l’art, les artistes doivent souvent s’adapter à l’évolution du marché, et la création d’œuvres peut devenir une activité commerciale sérieuse. Mais il y a un élément intrinsèquement ludique du processus créatif, qui célèbre l’imagination illimitée et l’exploration enfantine.

Il semble donc tout à fait approprié que de nombreux artistes bien connus étaient connus pour créer des jouets pour enfants. Alors que certains de ces artistes ont poursuivi la fabrication de jouets parallèlement à l’évolution de leurs pratiques artistiques plus larges, d’autres ont constaté que les deux modes de création étaient indiscernables.

Au cours de la première moitié du XXe siècle, alors que les artistes étaient aux prises avec d’énormes changements politiques et sociaux, certains visaient à former les jeunes esprits par le biais de jouets éducatifs qui étaient produits en masse pour les enfants du monde entier.

D’autres jouets créés à cette époque étaient destinés uniquement à l’amusement, fabriqués par des artistes pour leurs propres enfants ou petits-enfants, tout en reflétant les progrès révolutionnaires de l’art moderne.

Les sept jouets suivants, conçus par des artistes allant d’Alexander Calder à Renate Müller, prennent différentes formes et fonctions, qu’il s’agisse de blocs dynamiques ou de peluches thérapeutiques. Pourtant, ils mettent tous en évidence l’inventivité et les intérêts primordiaux de leurs créateurs et nous invitent à embrasser notre enfant intérieur.

Pablo Picasso, Petit Cheval (vers 1960)

Avec ses peintures et assemblages cubistes révolutionnaires, Pablo Picasso a dépassé la tradition académique de créer ce qui imite la vie. Pour affiner son style, il a étudié auprès de ses quatre enfants, admirant l’imperfection et l’énergie de leurs dessins. Le lien entre les enfants de Picasso et sa propre créativité s’étendait au papier et aux poupées en bois qu’il fabriquait dans les années 1930 et 1940 (à son tour, il incorporait parfois les jouets de ses enfants dans ses propres œuvres d’art sculptural).
L’un de ses jouets les plus connus est le cheval qu’il a fabriqué pour son petit-fils Bernard au début des années 1960. Debout autour des 60 cm de haut et perché sur quatre roues, le jouet a été fait pour être monté par le petit Bernard (qui s’en souvient). Le cheval est composé de six morceaux de pieds de table de télévision en métal, avec des yeux dessinés ; sa forme anguleuse et abstraite s’aligne bien avec l’œuvre plus vaste de Picasso.

Alexander Calder, Cirque (1926-31)

Les expérimentations d’Alexander Calder sur le mouvement et les matériaux industriels parcourent ses grands mobiles et ses sculptures en fil de fer, ainsi que les nombreux jouets qu’il a créés. À partir des années 1920, il fabriquait des jouets à bascule et à traction : chevaux, kangourous, oiseaux et poissons faits de bois, de fil de fer et de ficelle. Il fabriquait aussi des voitures-jouets à partir de boîtes de cigares et de boîtes de conserve. Pourtant, son jouet le plus célèbre est peut-être son jouet le moins conventionnel : Le cirque itinérant que l’artiste américain a réalisé à Paris entre 1926 et 1931 fait partie de la collection permanente du Whitney Museum of American Art de New York depuis 35 ans, et fait l’objet du film Le Grand Cirque Calder 1927 de Jean Painlevé (1955).

Dans plus de 200 présentations en direct de son cirque, Calder a utilisé des cordes, des tuyaux d’air et des leviers pour animer des douzaines de figurines à l’intérieur d’un anneau miniature, sur fond de musique enregistrée grandiose. Calder opérait les personnages – qui étaient faits de bois, de fil de fer, de cuir et de liège – dans des numéros séquentiels, pour un public comprenant des artistes comme Piet Mondrian et Marcel Duchamp.
Alors qu’à l’origine, les pièces pouvaient être rangées dans deux valises, il en a fallu cinq par la suite. L’ensemble s’est agrandi pour inclure des acrobates, des clowns, un maître de piste, un éléphant, un dresseur de lions, un danseur, un cheval et un cavalier debout, une course de chars, et plus encore, tous basés sur des artistes de cirque de la vie réelle de l’époque. De nombreuses figurines – comme le lion, avec son corps en fil de fer simplifié et son shaggy, sa crinière en tissu et sa queue – ne révèlent pas seulement l’approche ludique de Calder, mais font également écho aux célèbres sculptures en fil de fer qu’il a développées à la même époque. Reconnu par la critique comme une forme d’art sérieuse lorsqu’il a été présenté pour la première fois à Paris, le Cirque est un élément important de l’œuvre de Calder et a apporté la joie des jouets à un public adulte.

Renate Müller, « Jouets thérapeutiques » (1960-aujourd’hui)

Quiconque a déjà possédé un animal en peluche connaît son potentiel de réconfort et de compagnie. Il y a plus d’un demi-siècle, l’artiste allemande Renate Müller a commencé à créer ses jouets en jute et cuir pour servir d’aides thérapeutiques aux enfants handicapés hospitalisés. Les hôpitaux ont trouvé qu’ils étaient efficaces, et avec leurs couleurs vives et leurs corps à câliner (certains sont assez grands pour que les enfants puissent s’asseoir dessus), il est facile de comprendre pourquoi.

Avec ses phoques violets faits à la main, ses rhinocéros à cornes vertes, ses éléphants aux oreilles rouges et ses oiseaux multicolores, Müller rend également hommage à la tradition allemande de fabrication de jouets du XIXe siècle, qui exigeait des normes de production élevées. Elle utilise sa propre technique de rembourrage à la main avec une combinaison de pièces de bois et de matériaux de remplissage doux pour fabriquer les animaux, qui comprennent également des créatures inventées comme les chevaux à deux têtes et les hippopotames à deux queues.
Aujourd’hui, Müller expose ses créations dans la galerie, où elles attirent des collectionneurs sérieux. Pourtant, alors qu’elle fréquentait l’école Sonneberg Polytechnic for Toy Design dans les années 1960, Müller a appris à rechercher la simplicité, et ses formes, ses couleurs et ses matériaux ont toujours adhéré à ce mantra au fil des décennies.

Joaquín Torres-García, « Juguetes Transformables » (vers 1917-30)

Avec Rafael Pérez Barradas, l’artiste uruguayen Joaquín Torres-García a co-fondé Vibrationism, qui a appliqué l’esthétique cubiste et futuriste aux représentations de la vie urbaine moderne. Son autre idée était Constructivismo Universal, la philosophie qui sous-tend les peintures de grilles et de symboles guidées par des formes universelles pour lesquelles il est célébré.
Parallèlement à sa pratique de l’art cérébral, à partir de 1917, Torres-García a également créé des douzaines de jouets pour enfants, qu’il voulait à la fois récréatifs et éducatifs. Il a fondé ses personnages en bois peints à l’huile sur des théories pédagogiques du début du siècle qui valorisent l’apprentissage actif et par lesquelles les artistes d’avant-garde s’efforcent d’enseigner à une nouvelle génération comment réaliser les idéaux utopiques au lendemain de la Première Guerre mondiale. Les figurines – y compris les personnes, les véhicules, les animaux de ferme et de cirque – étaient fabriquées à partir de diverses pièces de bois que les enfants pouvaient assembler dans différents arrangements pour affiner leur créativité et leurs compétences en construction. Leurs formes simples et leurs détails caricaturaux dissimulent habilement les intentions sérieuses qui sous-tendent leur création.

Paul Klee, « Puppets » (1916-25)

Avec Picasso, Paul Klee a été fasciné par la spontanéité des œuvres d’enfants. En 1902, Klee décrit ses propres dessins d’enfance comme son œuvre d’art « la plus significative » jusqu’alors. Il aimait aussi beaucoup les dessins de son fils Felix, pour qui il a créé des jouets, y compris des marionnettes, afin de nourrir la créativité du garçon. Commençant par un groupe de huit marionnettes allemandes populaires Kasper et Gretel – des personnages similaires aux jouets britanniques Punch et Judy – Klee a fabriqué une cinquantaine de marionnettes de 1916 à 1925, que Felix a utilisé pour faire des spectacles dans leur appartement.
Simultanément adorables et de mauvais augure, les marionnettes étaient faites de plâtre et, comme les quelques œuvres sculpturales de Klee, incorporent des matériaux trouvés comme des os de bœuf, des coquilles de noix et des prises électriques. Il s’agit de créatures étranges, quelque peu totémiques avec des costumes désordonnés – des véhicules pour les spectacles satiriques et politiques que Félix a présentés plus tard en tant que jeune étudiant au Bauhaus, où Klee enseignait. Lorsque Félix a quitté la maison à l’âge adulte, il a apporté un certain nombre de marionnettes avec lui. Malheureusement, beaucoup ont été détruits pendant le bombardement allié de Würzburg, en Allemagne, au cours de la Seconde Guerre mondiale, et il n’en reste que 30 aujourd’hui.

Alma Siedhoff-Buscher, Jeu de construction de petits navires (1923)

A partir de 1922, Alma Siedhoff-Buscher étudie au Bauhaus sous Klee et Wassily Kandinsky avant de se spécialiser dans la sculpture sur bois. Pendant son séjour à l’école (où elle a enseigné plus tard), la designer allemande a créé des meubles pour enfants qui étaient à la fois pratiques et ludiques, comme une armoire de type armoire de 1923, avec un espace intégré pour un spectacle de marionnettes. Les objets qu’elle conçoit pour les enfants s’étendent aux jouets, comme ses Throw Dolls (1924), qui sont faits de fibres et de perles de bois, et sont conçus pour survivre à être jetés par leurs jeunes manipulateurs.
Plus près de ses meubles, la forme et les matériaux étaient son jeu de construction de petits bateaux (1923), un ensemble de 22 blocs triangulaires et rectangulaires en bois assortis que les enfants pouvaient utiliser pour assembler un bateau-jouet.

Peintes dans les teintes primaires du Bauhaus (rouge, jaune, bleu), ainsi que vert et blanc, les pièces ont pu être agencées en de nombreuses combinaisons, dans le but éducatif de renforcer les capacités d’invention des enfants. Peu après leur lancement, les meubles et jouets de Siedhoff-Buscher ont été montrés lors de conférences pour le personnel de la garderie et les éducateurs de maternelle, contribuant ainsi à faire progresser le désir du Bauhaus d’utiliser le design pour influencer positivement la prochaine génération au quotidien.

Lyonel Feininger, ville au bout du monde (1925-55)

A l’âge de 16 ans, Lyonel Feininger, d’origine américaine, s’installe en Allemagne pour poursuivre une carrière musicale, mais étudie l’art. Aujourd’hui, il est reconnu pour ses contributions novatrices à l’expressionnisme allemand et au Bauhaus, où il a enseigné, dirigé l’atelier de gravure de l’école, puis a servi d’artiste en résidence. Les dessins et peintures à l’huile de Feininger illustrent son intérêt de longue date pour l’architecture et les espaces urbains, représentés par des traits et des couleurs expressionnistes, ainsi que des formes angulaires et des plans qui sont redevables au cubisme. Ces mêmes intérêts apparaissent dans Feininger’s City at the Edge of the World (1925-55), un ensemble de 68 objets comprenant des figures humaines et animales, des maisons et un pont.
Les personnages (dont le plus grand mesure un peu moins de 10 cm de haut) sont peints en rouge vif, rose, bleu et orange, et sont faits de bois brut et non poli. Feininger a d’abord fabriqué les pièces sculptées à la main pour ses trois fils, dont le photographe Andreas Feininger. Un autre groupe de personnages similaires, Wooden Toy Town at the End of the World (vers 1919-1950), qui met en évidence la nostalgie de Feininger pour les bâtiments médiévaux et les petites villes, réside dans la collection permanente du Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg à Hambourg, en Allemagne.

Artsy

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