Selon la légende grecque antique, l’artiste Zeuxis, qui vivait vers le 5e siècle av. J.-C., rendait les raisins si réalistes que les oiseaux s’envolaient dans sa peinture pour tenter de manger les fruits. Les gens ont apprécié de telles illusions picturales pendant des millénaires.

Les artistes ont manipulé la couleur, la forme et la forme pour amener les spectateurs à voir la profondeur sur un plan bidimensionnel (la technique artistique dominante appelée trompe l’œil signifie littéralement « tromper l’œil »). Cette tromperie et ces jeux de perception sont le point de départ du mouvement de l’art optique moderne (ou « Op art« ). (Notamment, l’art cinétique et l’art optique sont souvent liés : L’ancienne désignation déclare qu’une œuvre est un mouvement réel, et non perçu.

Dans les années 1960, des artistes du monde entier tels que Josef Albers (Allemagne/Amérique), Yaacov Agam (Israël), Carlos Cruz-Diez (Venezuela), Jesús Rafael Soto (Venezuela), Bridget Riley (Royaume-Uni) et Victor Vasarely (France/Hongrie) ont commencé à utiliser la théorie de la couleur et les principes géométriques pour créer des illusions d’optique. Les œuvres typiques de l’époque sont soit brillantes ou noir et blanc, avec des formes graphiques qui semblent osciller ou tourbillonner, trompant les spectateurs pour qu’ils voient le mouvement et le changement dans les peintures statiques ou les estampes.

Dans Untitled de Riley (La Lune en Rodage – Carlo Belloli) (Schubert 6) (1965), par exemple, l’artiste rend une série de lignes noires courbes et horizontales si proches les unes des autres qu’elles semblent vibrer. Pour Duo-2 (1967), Vasarely a peint une série de carrés liés en alternance de couleurs vives (orange, chartreuse) et foncées (marine, mauve). Le résultat : des piles de cubes tridimensionnels qui semblent avancer et reculer. De nombreuses œuvres d’Op  Art rappellent les dessins de M.C. Escher : des motifs impossibles qui, rendus en deux dimensions, subvertissent les règles de la perspectivité.

En 1965, le conservateur William C. Seitz a monté « The Responsive Eye » au Musée d’Art Moderne de New York, une exposition de groupe qui a rassemblé les plus grands artistes de l’Op Art du moment. Seitz postule que les origines du mouvement se trouvent dans l’impressionnisme, qui a célébré les perceptions uniques des artistes du monde qui les entoure, et suggère donc qu’une expérience visuelle unique et commune du monde n’est qu’un mythe.

Riley, Late Morning, T01032

Bridget Riley, Late Morning, 1967-8. Bridget Riley 2018. Avec l’aimable autorisation de Tate Liverpool.

En présentant des œuvres d’artistes américains comme Frank Stella, Ellsworth Kelly et Ad Reinhardt aux côtés d’œuvres de Riley, Cruz-Diez et Albers, « The Responsive Eye » a proposé une ligne directe entre l’abstraction américaine et l’art Op global. Selon le catalogue de Seitz, « l’établissement de la peinture abstraite a permis à la couleur, au ton, à la ligne et à la forme de fonctionner de manière autonome ».

En d’autres termes, l’Op art s’est développé à partir d’idées impressionnistes et de techniques abstraites.

Les expériences et les écrits d’Albers sur la théorie des couleurs ont offert une autre source d’inspiration pour les artistes de l’Op. Les carrés imbriqués de différentes teintes présentées dans ses propres œuvres proposent que la couleur est toujours relative : Nous percevons une couleur différemment selon les autres couleurs et formes qui l’entourent.
En 2016, le Museo del Barrio de New York a offert un contrepoint à « The Responsive Eye », soulignant le rôle des artistes latino-américains dans l’art de l’Op. L’exposition intitulée « The Illusive Eye : An International Inquiry on Kinetic and Op Art », comprenait des œuvres de Gego, Hélio Oiticica, Lygia Pape et d’autres que Seitz avait laissées de côté. Dans une critique de l’émission pour le New York Times, Ken Johnson a souligné comment les critiques du milieu du siècle, comme Clement Greenberg, avaient rejeté l’art de l’Op comme un gimmicky. El Museo del Barrio a plutôt tenté d’élever le mouvement en le liant au mysticisme et à des concepts plus érudits.
En juillet dernier, Tate Liverpool a inauguré « Op Art in Focus« , une exposition qui s’étend des années 1960 à aujourd’hui (jusqu’au 16 juin 2019). « Pour moi, a dit le commissaire Darren Pih, c’est un mouvement qui parle à un monde plus connecté technologiquement, lorsque la technologie et l’art étaient fusionnés pour créer de nouvelles façons de voir.

En effet, des questions sur la façon dont nous voyons et sur les outils qui peuvent nous aider à mieux voir s’étendre à toutes les disciplines. Rien qu’en 1960, le scientifique américain Theodore Maiman a créé le premier laser, tandis qu’Eleanor J. Gibson et R.D. Walk ont développé l’étude de la « falaise visuelle« , qui teste la perception de la profondeur visuelle chez les nourrissons.


Dans une exposition de 26 œuvres, Pih en a inclus 8 de Riley. Ils vont des sérigraphies énergiques et bourdonnantes de lignes en zigzag, en noir et blanc (Untitled [Fragment 1/7] et Untitled [Fragment 3/11], tous les deux 1965, par exemple) à Late Morning (1967-68), une peinture composée de lignes verticales et colorées sur toile. « Son travail est immédiatement reconnaissable et en quelque sorte symptomatique de l’accélération technologique associée aux années 1960 « , a déclaré Pih (en effet, Late Morning se souvient de la statique d’un écran de télévision). « Pourtant, son travail est aussi enraciné dans l’histoire de l’art et dans les premiers mouvements tels que le Pointillisme.

Pih a également relié Riley à Marcel Duchamp, qui a expérimenté l’optique mécanisée des décennies avant l’apparition de l’Op art. Tout au long des années 1920 et 1930, l’artiste français a réalisé des disques imprimés avec des cercles concentriques. Lorsqu’ils tournoyaient sur une plate-forme motorisée, ils créaient des images hypnotiques et tournoyantes qui faisaient croire au spectateur que les images elles-mêmes étaient en mouvement. (Puisque ces œuvres sont en fait filées, nous pourrions les considérer comme un exemple à la fois de l’Op et de l’art cinétique.

Pourtant, l’art de l’Op est un produit des années 1960. Les couleurs et les formes lumineuses et graphiques rappellent les styles de mode du jour. Et les préoccupations du mouvement à l’égard de la perception ont interagi avec les drogues psychotropes de la décennie : Le LSD et la mescaline pourraient littéralement changer la façon dont les gens voyaient et expérimentaient les formes et les couleurs.

Damien Hirst, Anthraquinone-1-Diazonium Chloride

« La mescaline [sic] élève toutes les couleurs à une puissance supérieure et rend le percipient conscient d’innombrables nuances fines de différence, auxquelles, à des moments ordinaires, il est complètement aveugle », écrit Aldous Huxley dans son influent livre Doors of Perception & Heaven And Hell de 1954, dans lequel il documente un voyage sous acide. Huxley a également noté que « les surfaces rouges gonflent et se dilatent à partir de noeuds d’énergie brillants qui vibrent avec une vie continuellement changeante et structurée ». À bien des égards, l’art de l’Op a formalisé des expériences visuelles aussi intenses.

Pourtant, l’Op art a continué d’influencer la peinture et la sculpture contemporaines. Dans l’exposition du Tate Liverpool, Pih a inclus Aluminium 4 (2012) de l’artiste canadienne Angela Bulloch : un groupe de quatre boîtes en aluminium exposées sur le sol qui rayonnent différentes teintes de lumière. Un système d’éclairage spécialisé infuse les cubes avec plus de 16 millions de permutations de couleurs. Avec la technologie contemporaine, Bulloch prolonge le projet de ses prédécesseurs de démontrer les possibilités presque infinies de la couleur.

Une peinture de Damien Hirst, Anthraquinone-1-Diazonium Chloride (1994), est également exposée. De 1986 à 2011, l’artiste britannique a réalisé plus de 1 000 œuvres de ce type : des peintures composées de points colorés et uniformément espacés sur fond blanc (les dimensions des points et des toiles varient d’une série à l’autre). Pourtant, Hirst est mieux connu pour ses exploits qui attirent l’attention – exposer un requin dans un réservoir de formaldéhyde ; établir des records de ventes aux enchères pour des œuvres d’art produites en masse – que pour examiner attentivement les lois de la perception humaine.

« Bien sûr, Hirst n’est généralement pas comprise dans le contexte de l’Op Art « , a admis Pih. « Mais, formellement, les peintures ‘spot’ ont l’effet éblouissant. » Alors que le titre de l’œuvre fait référence à un composé pharmaceutique, l’exécution du tableau  » prend la forme de peintures minimalistes mécaniques et non émotionnelles « , a-t-il observé. Les antidépresseurs et les opioïdes ont, sans doute, remplacé le LSD et la mescaline comme substances psychotropes de choix (bien que, pour être juste, le « microdosage », ou la prise de petites quantités de LSD, fait un retour en force). La perception qu’ont les artistes de la couleur, de la forme et du monde qui les entoure a peut-être changé en conséquence.

 

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