La plupart d’entre nous sommes tellement habitués à la lecture que nous oublions que chaque lettre est une forme et chaque mot sa propre composition. Il y a une dimension esthétique importante dans l’écriture que nous lisons quotidiennement – dans les mails et les livres, sur les emballages et les enseignes – et il est donc logique que les artistes visuels aient adopté des stratégies graphiques et typographiques à leurs propres fins philosophiques.
En utilisant le langage, les artistes transforment un outil de communication de base – l’alphabet – en provocations uniques. La langue est aussi particulièrement malléable, libre et renouvelable. « Il y a un million de façons différentes dont les artistes peuvent l’utiliser « , a déclaré Kelly Taxter, conservatrice du Musée juif. « Souvent, ce sont des artistes qui travaillent sur des questions de politique ou de justice sociale. » Tout comme les artistes trouvent encore de nouvelles façons de manipuler la peinture, la toile et l’espace, ils développent constamment de nouvelles raisons de transformer les mots en art.

Jenny Holzer

Jenny Holzer 
All
Sprüth Magers

Jenny Holzer transforme des objets publics communs en œuvres d’art subversives portant des mots puissants. Elle grave des déclarations poétiques sur le pouvoir, le féminisme et l’action individuelle dans des bancs faits de marbre de Carrare strié, de granit tacheté et de sodalite teintée de bleu royal. Holzer traduit ses phrases en majuscules et en caractères à empattement, les transformant en proclamations monumentales : « PROTÉGEZ-MOI DE / CE QUE JE VEUX », « C’EST DANS VOTRE INTÉRÊT / DE TROUVER UN MOYEN D’ÊTRE TRÈS TENDRE », « ÉLEVEZ LES GARÇONS ET LES FILLES DE LA MÊME FAÇON. »
Ils deviennent des mandats créatifs dans des espaces partagés et des contrepoints bienveillants aux directives de l’État.
Si les bancs de Holzer transforment les installations des parcs publics en médias artistiques, ses bannières LED cooptent une structure associée au commerce et à la publicité. Sur les écrans qui font généralement la promotion des ventes, des noms de sociétés ou des mises à jour boursières, Holzer diffuse des phrases percutantes telles que « NE PARLEZ PAS AVEC MOI » ou « TÉMOIN », ainsi que des messages plus longs et en boucle. L’artiste réinterprète souvent ses phrases poétiques, ou « truismes », en construisant leur pouvoir par la répétition. (L’un des messages les plus célèbres de Holzer, « L’ABUS DE POUVOIR Vient comme une surprise », a été réadopté comme un mantra de protestation dans l’ère #MeToo).
« J’aime placer le contenu partout où les gens le regardent « , a déclaré M. Holzer à son collègue Kiki Smith lors d’une conversation pour Interview Magazine,  » et cela peut se trouver au fond d’une tasse, sur une chemise, un chapeau, à la surface d’une rivière ou partout dans un immeuble « . Holzer transforme le domaine public en espace d’exposition, offrant sa poésie réfléchie à tous ceux qui veulent s’asseoir ou lire un panneau.

Mel Bochner

Mel BochnerBLAH BLAH BLAH

Gallery Art

Beaucoup d’artistes travaillant avec des mots offrent des énoncés écrits profonds dans leur travail. Les pièces les plus célèbres de Mel Bochner, en revanche, se lisent simplement « BLAH / BLAH / BLAH « . L’artiste enduit la phrase essentiellement dénuée de sens sur les panneaux d’affichage et l’incruste en caractères d’imprimerie sur des tableaux aux couleurs vives. L’artiste semble plus intéressé à mettre en évidence les banalités de la communication contemporaine. Une monotype 2017, par exemple, juxtapose des phrases collées comme « OH WELL, THAT’S / THE WAY IT GOES », « IT IS WHAT THAT IS WHAT IT IS IT IS », « WHAT TO TO TO DO ? » et « SHIT HAPPENS ». Bochner élève les conversations sans engagement et les bromures au rang d’objets d’art. En les lisant, le spectateur peut se sentir un peu accusé. Qui ne s’est pas appuyé sur certains de ces clichés pour faire la conversation ?
Dans une autre série, Bochner rend un groupe de synonymes – des mots comme « argent », « obscène », « évident » ou « étonnant » – en rangées. Le spectateur est forcé de considérer à la fois les subtilités de la langue et la richesse de l’anglais : Nous avons beaucoup de façons de discuter de commerce et de transmettre l’hyperbole. Le style de Bochner amplifie ce sens de l’ornementation ; les points d’exclamation et les oranges vives, jaunes et rouges abondent.

Ed Ruscha

Ed RuschaMocha Standard Station, 1969
Hamilton-Selway Fine Art

La série iconique de photographies d’Ed Ruscha « Twentysix Gasoline Stations » (1963) a capturé la signalisation et l’architecture de 26 stations-service entre Los Angeles et Oklahoma City. Ruscha a développé une nouvelle mythologie sur l’Ouest américain en mettant l’accent sur les panneaux routiers qui le peuplaient. Bien que les images soient, ostensiblement, des bâtiments, presque toutes contiennent des mots : « Conoco », « Texaco », « Stop/Save », « Say Fina », « Cafe », « Mobil Service », « Navajo Rugs », « Beer & Liquors ». En fait, de telles phrases deviennent inextricablement liées au paysage lui-même.
Cette série a jeté les bases de la carrière de Ruscha : Au cours des cinq dernières décennies, il a continué de faire le lien entre la langue et l’environnement. Un tableau de 1989 juxtapose l’expression « Médication sûre et efficace » avec une image de nuages sombres. Dans des travaux plus récents, les expressions titulaires « Pay Nothing Until April » (2003), « Wall Rockets » (2000) et « History Kids » (2009) recouvrent des montagnes peintes et escarpées. Les spectateurs considèrent l’association – ou l’absence d’association – entre les différents éléments lorsqu’ils se demandent ce que ces expressions obscures signifient réellement. La typographie elle-même devient aussi intégrante de l’humeur d’une œuvre que la couleur ou la composition – les caractères anguleux, fins et blancs de Ruscha dans toutes les capsules sont à la fois délicats et déclaratifs, mécaniques et étranges. C’est la police de Ruscha, qu’il appelle Boy Scout Utility Modern.

Sean Landers

Sean Landers
Detail of [], 1993
Drawing Time, Reading Time, The Drawing Center, New York

Selon l’écrivain Mark Prince, l’art de Sean Landers a « toujours été embarrassant ». Landers associe la peinture et le dessin pour se livrer à une pulsion diaristique, utilisant son art pour confesser des malaises. En 1990, sur une œuvre encrée sur papier intitulée Ouch, il a rendu publiques des pensées privées telles que « Je me demande ce qu’il y a dans Hellen qui, à travers moi, fait une boucle ? Ne devrais-je pas avoir l’habitude d’avoir le coeur brisé ? » et « J’ai vraiment peur que ce soit le travail le plus stupide que j’aie jamais entrepris. » Dans le tentaculaire sic, Landers devient plus graphique, se demandant s’il est « assez berné pour penser que ma branlette dans mon studio était quelque chose de plus haut que ce qu’elle est ».
Flicker Dimming Protocols présente le prénom de l’artiste en cursive, des croquis d’un chien, d’un bouffon et d’un robot, et un texte mélodramatique gribouillé : « La jeunesse passe si vite » et « Le vieillissement est l’avant-dernier / le contenu de l’art / la mort est l’ultime. » Dans d’autres œuvres, il peint des troncs d’arbres qui ont été recouverts avec des mots, comme « I Made Art → Lots of Art → Lots of Art → Most of it Good → Some of it Very Good → And I Hope Everlasting ». (bref, conceptuel)

Adam Pendleton

Adam Pendleton
If the function of dada, 2017
Galerie Laurent Strouk

La matière première d’Adam Pendleton est le langage, mais l’artiste se moque souvent de savoir si ses mots ont un sens clair. Son vaste projet « Black Dada« , qu’il a lancé en 2008, coopte l’esthétique onirique et absurde d’artistes européens de l’entre-deux-guerres comme Kurt Schwitters, Max Ernst et Salvador Dalí, en les réaffectant aux préoccupations personnelles de Pendleton en tant que Noir américain. Dans son tableau de 2017 If the function of dada, par exemple, Pendleton peint en sérigraphie, encres et spray-paint tant de lettres noires sur sa toile blanche que le spectateur a du mal à déchiffrer tout message. C’est une stratégie parfaite pour transmettre la dissonance et le chaos contemporains.
Cependant, tout le travail de Pendleton avec le texte n’est pas illisible. Il s’est approprié les phrases de l’écrivain Gertrude Stein, de l’artiste Ad Reinhardt et du musicien Sun Ra, et a souvent superposé des toiles de fond variées (photographies de briques ou d’un masque africain) avec le mot « INDEPENDANCE« . Pour la Biennale de Venise 2015, il a réalisé pour le pavillon belge des œuvres murales de grande envergure qui reproduisent les mots « Black Lives Matter » dans un gribouillage lâche et graffiti.

Kay Rosen

Kay Rosen
Something Happened, 2017
Krakow Witkin Gallery

À l’aide de pochoirs de polices génériques, Kay Rosen peint des mots et des phrases sur les murs des galeries et des musées, et les projette également sur les façades. « AJOUTER ET FINIR », dit-elle dans un brillant mélange de couleurs primaires (Happy Ever After, 1994/2016). « JUMBO MUMBO », dit-elle, en lettres bleues et noires (Big Talk, 1985/2017). Les titres apportent de l’humour supplémentaire aux œuvres. « La linguiste en moi voulait que le sens soit porté par la structure des mots et non par le style des caractères ; le peintre intérieur insistait pour que la couleur transmette le sens ; le sculpteur en moi était obsédé par la construction des formes de lettres par les matériaux et le processus « , écrivait-elle dans Art in America en 2014. « La cohérence visuelle donne l’autorité au texte, ce qui est la leçon fondamentale que j’ai apprise dans mon travail d’édition. »
Le travail de Rosen porte souvent sur la poésie concrète et les jeux de mots. En fait, certaines de ses toiles se lisent comme des rebus. Head Over Heels (2016), par exemple, met en vedette les mots « fall over » qui tombent sur les côtés – vous pouvez aussi lire le texte comme « fal lover », transformant le titre en un double sens de la forme et du romantisme.

Jason Rhoades

Jason Rhoades
Fuzzy Puddle/Turkey Beard, 2003
Phillips

Dans les installations de feu Jason Rhoades, des néons sont suspendus à des confettis linguistiques dans l’espace. Son travail illumine littéralement l’espace de la galerie d’un argot séditieux et évocateur. Dans Ma Médine. Dans la poursuite de mon ermitage… (2004), par exemple, les 240 phrases font référence aux organes génitaux féminins. Les visiteurs se promènent sous un enchevêtrement de langues qui comprend « Cock Alley », « Cooze », « Fuzz Box », « Private Property », « Ginger » et « Fluttering Love ». En dessous se trouvent des serviettes qui se chevauchent, suggérant un lieu de culte musulman. Avec son titre, Rhoades indiquait que les termes – et le corps féminin lui-même – s’ajoutaient à une pseudo-religion pour lui. Dans un autre ouvrage, Fuzzy Puddle/Turkey Beard (2003), les phrases du titre apparaissent en néon orange contre un signe noir. Cette dernière est suspendue à l’envers. La dentelle de lingerie s’enroule autour du texte clair et cursif, juste au cas où le spectateur ne pourrait pas déjà deviner à quelle anatomie particulière les phrases se réfèrent.

Erica Baum

Erica Baum, excerpts from Dog Ear, 2016.
Courtesy of Ugly Duck Presse, Brooklyn, NY.

Erica Baum ne choisit pas les mots qu’elle inclut dans sa série « Dog Ear », en soi. Dans des photographies rapprochées, l’artiste capture la page d’un livre aux oreilles de chien et celle qui se cache derrière lui. Le spectateur voit deux sections triangulaires distinctes de texte, l’une posée l’une sur l’autre dans un format carré. Ni les photographies ni leurs titres ne divulguent le matériel source. Dans Enfold (2013), la page aux oreilles de chien se lit simplement « A », tandis que la page derrière offre une sorte de poème fragmenté et absurde : « une vague serait entendue / pour envelopper la note / vaporiser son foa / musique. Je gre / mon truc / mon truc / frappé / in. » Le téléspectateur doit choisir de lire les mots et de deviner l’histoire dans son ensemble. Alternativement, ils peuvent choisir de ne pas lire du tout, et simplement regarder chaque œuvre comme un groupe de formes noires contre des pages claires. Les lettres deviennent secondaires par rapport au concept : L’œuvre de Baum capture les preuves physiques de la lecture – les pages pliées signifient que les lecteurs ont temporairement abandonné leurs livres alors qu’ils retournent à la vie réelle.

Christopher Wool

Selon la légende, Christopher Wool a développé l’idée de ses peintures de mots en 1987, après avoir vu des graffitis griffonnés en lettres noires sur un camion de livraison. Ses toiles subséquentes embrassent leurs origines conceptuelles granuleuses. Sur fond blanc, il utilise des pochoirs pour créer des lettres noires en bloc, détachées au niveau des articulations, épelant de façon erratique « Vendre la maison, vendre la voiture, vendre les enfants » (une ligne du film Apocalypse Now) ou « TR/BL » (« trouble » avec les voyelles enlevées). Décomposées en lignes et en courbes, les lettres deviennent à la fois des éléments de composition lourds et des vecteurs potentiels de sens supplémentaire.
Pourtant, compte tenu de la palette limitée et de l’absence de tout autre contexte, les mots s’arrêtent là, comme l’a écrit Peter Schjeldahl dans une rétrospective de Guggenheim de Wool en 2013, sans signification réelle :  » lessivé… de personnalité « . Pour le New York Times, Roberta Smith a conclu : « Ces tableaux confondent l’acte de voir, de lire et même de parler en taquinant et en sondant le sens de leurs mots enchaînés ou maladroitement cassés. » Time Out situait l’œuvre dans un contexte particulièrement historique, affirmant que le langage de Wool « semblait résumer un climat collectif d’appréhension et de malaise provoqué par l’administration Reagan et les diverses catastrophes – la crise du sida, le krach boursier de 1987, le scandale de l’épargne et du crédit – qu’elle a laissé derrière elle « .

Guerrilla Girls

Guerrilla Girls
Definition Of A Hypocrite, 1990
mfc – michèle didier

Le collectif anonyme Guerilla Girls s’inscrit dans une riche tradition d’artistes protestataires qui utilisent des mots à des fins explicitement politiques. En particulier, le groupe utilise un langage pour reconsidérer la discrimination et la violence sexuelles. « Qu’est-ce que ces hommes ont en commun ? » demande une de leurs affiches de 1995. Au-dessous du texte en noir gras, des photographies d’O.J. Simpson et de l’artiste minimaliste Carl Andre apparaissent. La réponse à leur provocation ? L’État a accusé les deux hommes d’avoir assassiné des femmes (Simpson : son ex-femme Nicole Brown Simpson ; André : son épouse Ana Mendieta). Tous deux ont bénéficié d’acquittements et ont évité la prison. Les Guerilla Girls discutent de la prévalence de la violence domestique sous les images. Ils comprennent également un slogan au bas de la page : « Un message de service public de Guerilla Girls, conscience du monde de l’art.« 
Une autre œuvre célèbre, Do Women Have to Be Naked to Get into the Met Museum ? (1989), critique le manque d’art chez les praticiennes dans les grandes institutions. Dans l’œuvre des Guerilla Girls, l’idéologie ironique devient une forme d’art. Leur message – et sa situation au sein des institutions qu’il critique – supplante toutes les autres préoccupations esthétiques.

Ej Hauser

De 2008 à 2012, EJ Hauser a utilisé du papier journal comme toile de fond pour ses dessins. Les écrits de dernière minute sur le monde sont devenus les fondements littéraux des marques gestuelles de l’artiste. Hauser a explicitement lié l’abstraction aux préoccupations terrestres, arguant contre les affirmations selon lesquelles le travail non figuratif est séparé de la réalité. Dans une tentative stoppée de terrorisme, des éclats blancs de peinture à l’huile recouvrent un texte au sujet d’une attaque civile. Chez Laker, une pluie de coups de pinceau rouge, blanc et bleu vaguement patriotiques obscurcit le visage de deux joueurs de basket-ball. La section des sports, ostensiblement, est un aussi bon fond que les pages internationales.
Pour un tableau de 2013, forget-me-not three, Hauser a peint son propre texte pour mettre en valeur des formes noires ambiguës. Sous les lignes, les cercles et une paire de pattes caricaturales, le spectateur reconnaît la phrase titulaire : « Ne m’oublie pas ». Ecrits en blanc cassé sur fond pâle, les mots semblent déjà menacés, comme si leur disparition et leur effacement étaient imminents.
Dans une œuvre actuellement exposée chez Derek Eller à New York, Hauser utilise le texte comme échafaudage pour ses images : Regardez attentivement ses marques et vous trouverez les épines dorsales et les courbes de différentes lettres, mélangées ensemble pour éliminer la frontière entre le mot et l’image.

Barbara Kruger

Barbara Kruger
Untitled (Your body is a battleground), 1989
« The Inaugural Installation » at The Broad, Los Angeles

Barbara Kruger coopte le format des publicités des magazines dans ses imprimés, ses photographies et ses sérigraphies. Ils superposent des images en noir et blanc (souvent de femmes) avec du texte blanc à l’intérieur de bannières rouges (« Votre corps est un champ de bataille », ce qui est plus célèbre). Le commerce et le féminisme se mélangent mal : L’art de Kruger attire souvent l’attention sur la façon dont les entreprises, les médias et le gouvernement tentent de contrôler les femmes. Toutes les œuvres présentent un caractère Futura, transformant l’œuvre de l’artiste en sa propre marque subversive.
Il n’est pas surprenant que Kruger ait commencé sa carrière en tant que graphiste. Dans les années 1960, elle travaille pour le magazine féminin Mademoiselle de Condé Nast. Pourtant, en tant qu’artiste, elle a réussi à élargir considérablement sa palette. Ses installations à grande échelle se sont développées pour couvrir les murs, les planchers et parfois même les plafonds des salles des musées et des galeries, immergeant les spectateurs dans son langage fort et audacieux.

Lawrence Weiner

Lawrence Weiner
PASTORAL
Galerie Hubert Winter

Les historiens de l’art considèrent Lawrence Weiner comme l’un des précurseurs de l’art conceptuel. L’artiste est surtout connu pour rendre le texte directement sur les murs, lettre par lettre, souvent dans sa propre police sans empattement, Margaret Seaworthy Gothic. A plat contre le mur, les phrases manquent de l’objectivité qui est souvent la condition préalable d’une œuvre d’art.
Malgré l’absence d’images d’accompagnement, l’art des mots de Weiner évoque souvent des décors et des choses distincts. Les pierres sautées à travers la baie de Naples (2009) ou les piles d’arbres abattus posées à côté d’une fissure dans la terre (2007), par exemple, suggèrent des œuvres d’art et des arrangements jamais réalisés, simplement considérés. En lisant l’œuvre, les spectateurs complètent eux-mêmes les projets de Weiner, en donnant une image mentale de ce qu’il n’a fait que décrire.
D’autres pièces de Weiner se concentrent également sur le sens de l’espace. Raised High Above (2018) ou The Right Thing in The Wrong Place (2016), par exemple, évoquent des objets et une agence plus ambigus – qui a fait la collecte, ou mis quelque chose là où il n’était pas censé être ? « Il a expérimenté la façon dont le langage peut s’exprimer en tant qu’œuvre d’art publique, en tant que sculpture « , a dit Taxter. D’après elle, son travail demande « A qui appartiennent quelles phrases ? » Le nouveau centre d’art multidisciplinaire de New York, qui n’est pas encore terminé, The Shed a récemment commandé à Weiner des travaux pour le pavillon d’entrée. Ses deux lignes de texte se lisent « À L’AVANT-PROPOS », l’une face à l’édifice et l’autre face à l’extérieur de celui-ci.

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