Le langage secret des bijoux dans les portraits de femmes

Que vous considériez les bijoux opulents comme un accessoire frivole ou un symbole de statut puissant, il n’y a pas à nier l’enivrante allure d’un arrangement exquis de pierres précieuses. Des milliers de personnes ont afflué pour voir des diamants, des émeraudes et des saphirs saillants portés par la royauté sanctionnée, des joyaux de la couronne de la reine Elizabeth à la Tour de Londres à la collection de babioles d’Elizabeth Taylor qui a battu des records d’enchères au Christie’s en 2011. Dans leur extravagance, ces objets peuvent sembler dépassés ou grossiers, mais quand même, les bijoux parlent. Elle demeure un symbole convaincant et complexe de richesse et de raffinement au XXIe siècle, son héritage ambitieux étant enraciné dans l’histoire du portrait.

Vermeer Eyes with Pearls, 2012

Depuis des siècles, les artistes utilisent les bijoux pour attribuer des attributs importants à leurs modèles. Un récent débat d’experts au 92nd Street Y, intitulé « Jewelry : The Secret Language in Portraits of Portraits of Power « , élucidait les multiples fonctions symboliques et associatives des bijoux tels qu’ils figurent dans les portraits de femmes, des redoutables reines britanniques aux nouvelles riches héritières de l’âge doré. Les panélistes ont encouragé le public non seulement à admirer les somptueux bijoux représentés dans les tableaux, mais aussi à s’interroger sur leur signification personnelle et politique. « Nous ne voulons plus jamais que vous regardiez les bijoux de la même façon « , a déclaré la modératrice Stellene Volandes, rédactrice en chef de Town & Country. Mais il est tout aussi important, a-t-elle poursuivi, de remarquer son absence.

Des monarques célèbres comme la reine Victoria, dont la personnalité et le long règne ont défini l’Empire britannique au XIXe siècle, ont stratégiquement utilisé le portrait et les bijoux pour communiquer son autorité absolue. Dans un portrait de 1859 attribué à Franz Xaver Winterhalter, la reine de 40 ans apparaît à l’apogée de ses pouvoirs, portant une couronne ornée d’un trèfle, d’un chardon et d’une rose symbolisant les trois États du Royaume-Uni, l’Irlande, l’Écosse et l’Angleterre. Son collier de diamants de 161 carats, porté lors de son couronnement, est un gage plus direct de sa richesse robuste.
À droite, la couronne du couronnement de Victoria encadre une fenêtre donnant sur le siège de son pouvoir, Buckingham Palace. Cette allusion pas si subtile à sa domination est réitérée par le gigantesque Stuart Sapphire et le Black Prince’s Ruby sur le devant de la couronne, bijoux transmis au fil des siècles dans une ligne ininterrompue de souverains britanniques.
Ce qui pourrait être une vision froide et monarchique de son empire et de son autorité est adoucie par la décision de Victoria de donner aussi des souvenirs plus personnels. Jonquil O’Reilly, vice-président et responsable des ventes au département des peintures Old Master de Christie’s New York, affirme que Victoria a clairement « compris le symbolisme sentimental des bijoux et la façon dont ils parlent au pouvoir« . Une bague très prisée qui lui a été offerte par son mari bien-aimé Albert, qui aimait dessiner des bijoux pour sa femme, présente la combinaison romantique du turquoise, symbole de fidélité, et de la perle, marqueur de pureté. Son bracelet, qui comporte un camée d’Albert, était un cadeau avant leur mariage. Après sa mort, Victoria a porté des vêtements de deuil d’un noir austère pour le reste de sa vie, mais des portraits ultérieurs montrent qu’elle n’a jamais enlevé le bracelet.

La prédécesseure de Victoria, d’autre part, la reine Elizabeth I, tout aussi influente (mais sans doute plus à la mode),  » comprenait l’importance de la subtilité « , a dit O’Reilly. Pourtant, le célèbre portrait de Ditchley, peint par Marcus Gheeraerts le Jeune vers 1592, alors que la reine Tudor avait presque 60 ans, ne semble peut-être pas si subtil. Pourvue de bijoux de la tête aux pieds, Elizabeth apparaît dans une robe blanche volumineuse avec des panneaux magistraux à larges hanches qui remplissent le cadre. Non seulement les longs brins de perles l’encerclent du cou à la taille, mais ils tombent aussi de ses cheveux et bordent les manches et la jupe de sa robe de soie massive et très chère.
« Nous l’associons souvent aux perles, ce qu’elle a beaucoup encouragé, explique O’Reilly. La Vierge Reine a exploité le symbolisme des perles comme reflet de la pureté, de la piété et de la lumière éthérée du ciel pour renforcer son droit divin en tant que souverain. L’histoire des perles est également ancrée dans des idées anciennes sur la féminité, apparaissant dans les mythes gréco-romains en relation avec Vénus émergeant de la coquille. L’historienne de la bijouterie Diana Singer, qui est également présidente de l’American Society of Jewelry Historians, a noté que les perles, dans leur capacité à réfléchir la lumière sur le visage, sont les seuls joyaux qui attirent l’attention sur le modèle plutôt que la pierre précieuse.
Au-delà de la simple vanité, le laborieux processus de collecte des perles les a imprégnées d’une rare préciosité, un effet mis en évidence par leur grand nombre en un seul regard, comme celui d’Elizabeth ici présente. Malgré leurs origines anciennes, il était incroyablement difficile d’amasser une énorme quantité de perles naturelles à l’époque de la Reine, dit Singer. (En fait, elles ne sont plus sur le marché – sauf avec des pièces d’époque – largement remplacées par des perles d’eau douce artificielles.) Pour acquérir des perles naturelles, a expliqué M. O’Reilly, il aurait fallu conquérir une nation, asservir son peuple et l’obliger à plonger à la recherche de perles, une entreprise traître qui en a tué beaucoup en quelques jours. Ainsi, le symbole de la pureté devint aussi l’emblème effrayant du pouvoir illimité que le monarque avait sur ses sujets.

Lucas Cranach l’Ancien, Portraits d’Henri le Pieux, duc de Saxe et son épouse Katharina von Mecklenburg, 1514. Image via Wikimedia Commons.

Avec ses gallons de perles, Elizabeth fait preuve non seulement d’une richesse stupéfiante, mais aussi d’une domination et d’une autonomie mondiales. Dans le tableau, elle est littéralement debout sur le monde, un geste qui réaffirme la forte portée de son empire, qui peut lui fournir n’importe quel bijou qu’elle pourrait jamais désirer. Pourtant, M. O’Reilly a fait remarquer que, souvent, ces gardiennes portaient un excès de bijoux que nous savons qu’elles n’avaient pas vraiment dans les inventaires des ménages laissés sur place. Soit ils ont mélangé des faux, emprunté des pierres, soit l’artiste les a fait imaginer.
Malgré la difficulté d’acquérir des pierres précieuses (comme en témoigne la robe blanche cloutée d’Elizabeth), à la Renaissance,  » partout où l’opulence pouvait être exposée, elle l’était « , dit Volandes. À l’âge d’or d’Elizabeth, les membres à la mode de la cour cherchaient aussi à communiquer la richesse dans leurs vêtements. Dans le double portrait d’Henri IV de Saxe et de Catherine de Mecklembourg réalisé en 1514 par Lucas Cranach l’Ancien, la soie dorée et de fines bandes de métal véritable ont été tissées ensemble pour créer les textiles « incroyablement lourds » des modèles, dit O’Reilly, qui vont « affecter votre façon de bouger et de vous tenir ».
Les chaînes d’or autour du cou d’Henry, observait-elle, étaient souvent offertes en cadeau et étaient portées bien en vue dans les portraits pour montrer la position privilégiée du sujet à la cour. Ce genre de portraits de power-play s’est poursuivi pendant des siècles ; le prestige des modèles pouvait aussi être glané dans la puissance de la couleur d’une pierre précieuse ou dans la provenance d’une pièce spéciale. Pendant longtemps, seuls la royauté et les aristocrates ont eu le plaisir de posséder de tels trésors. Mais 300 ans plus tard, à la fin du XIXe siècle, il y a eu un  » changement monumental dans l’expression du pouvoir et de la richesse « , dit Volandes.

Une classe émergente de marchands et d’industriels fortunés est apparue en Europe et aux États-Unis. Pleine de pouvoir – ou enchaînée, si vous êtes un fan d’Edith Wharton – par leur nouvelle mobilité sociale, la bourgeoisie s’est obsédée à communiquer clairement leur bon goût, la nouvelle approche moderne pour évaluer la classe. L’expatrié américain John Singer Sargent est devenu l’auteur de ces nouveaux aristocrates, et ses portraits reflètent l’évolution des relations entre les classes supérieures et les bijoux.
Les bijoux sont devenus accessibles à mesure que des studios comme Cartier, Tiffany et Lalique sont apparus pour répondre aux besoins de la classe matérialiste et fortunée. Même le procédé de fabrication des perles de culture a été perfectionné dans les années 1920. Bien qu’encore cher, le marché de la perle était si fortement démocratisé que dans les années 1950, les pierres étaient devenues le symbole par excellence de la mode féminine. En même temps, le bijou est passé d’un marqueur de richesse et de puissance à un signifiant de goût raffiné. Les fortunes anciennes cherchaient frénétiquement à se différencier des nouvelles fortunes ; ironiquement, le marqueur de richesse à la mode au tournant du siècle est devenu une application subtile et discrète de bijoux qui suggère la confiance dans sa richesse et son statut social.
Comparez, par exemple, les portraits de Lady Agnew de Lochnaw (1892) et de Mme Carl Meyer et ses enfants (1897). La jeune épouse d’un riche avocat, Lady Agnew, a utilisé ce portrait pour se lancer en tant que beauté de la société. Elle confronte le spectateur avec un regard timide mais direct, et sa pose informelle et sa robe lilas fluide créent l’impression d’une jolie fleur. Même si elle ne porte qu’un simple pendentif à peine délimité par Sargent, ainsi qu’un bracelet en or, la baby-sitter dégage une disposition à la mode et nettement riche. « Elle murmure l’argent », a dit Volandes.

Mme Meyer, par contre, avait plus d’embûche sur le chemin de l’acceptation sociale. En tant qu’épouse juive d’un éminent banquier juif, elle incarnait l’éthique de l’âge d’or du plus-est-plus de luxe. Contrairement à Agnew, Meyer apparaît comme une bouffée de crème dans une robe de taffetas de soie à la française. Son collier façon Queen Elizabeth, le long rang de perles regroupés même à ses orteils.
L’opulence de la composition, ainsi que sa perspective dramatique et inclinée, ont marqué un départ pour le Sargent, habituellement élégant. La richesse sans excuse reflète ici le statut et l’acceptation qu’Adèle Meyer recherchait dans la société, mais réitère également les stéréotypes antisémites sur la perception de la grossièreté des Juifs de New Money, dont l’extravagance envers de nombreux WASP indiquait une méconnaissance de la richesse. « Je ne veux pas dire que c’est désespéré, » dit Stephanie L. Herdrich, conservatrice adjointe de peinture et sculpture américaine au Metropolitan Museum of Art, « mais peut-être un peu. » Une satire inconstante des goûts changeants !

Artsy

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