5 expositions photographiques incontournables que vous pouvez consulter en ligne

Bien que des galeries aient temporairement fermé leurs portes dans le monde entier à cause de COVID-19, nous pouvons toujours trouver de l’inspiration dans leurs expositions. Dans le cadre de la campagne #ArtKeepsGoing d’Artsy, nous couvrons chaque semaine cinq expositions de galeries auxquelles vous pouvez accéder via Artsy, avec les points de vue des artistes et de nos écrivains. Cette semaine, nous partageons une sélection de photographies et de films présentés dans des galeries de San Francisco à Cape Town.

Carrie Mae Weems

Galerie Goodman, Le Cap

Carrie Mae Weems, Slow Fade to Black, Set II, 2009-10. Carrie Mae Weems. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la Jack Shainman Gallery, New York.

Son amour de la musique transparaît dans son exposition actuelle « Over Time » à la galerie Goodman, qui couvre un quart de siècle de travail méditant sur les thèmes de la race, du pouvoir et de la visibilité.
Dans la série « Slow Fade to Black » (2010), Weems présente des photographies floues d’artistes féminines noires comme Mahalia Jackson et Billie Holiday, visualisant la façon dont ces femmes pionnières sont effacées de notre mémoire collective de la musique du milieu du XXe siècle. Weems revient sur le motif de l’évaporation des legs dans « Blue Notes » (2014), en utilisant des blocs de couleurs primaires pour faire référence aux œuvres de Piet Mondrian et John Baldessari tout en obscurcissant ses sujets. « Il y a tous ces trucs que la couleur bloque, et particulièrement dans les relations avec la subjectivité noire et les personnes de couleur, en général », a déclaré Weems. « Nous sommes empêchés de participer à un monde plus vaste basé sur les notions de couleur.

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Dans « The Museum Series » (2005-présent), Weems concentre son attention sur les grandes institutions culturelles. Vêtue de noir, le dos tourné à la caméra, Weems se tient devant des sites renommés tels que le Louvre et le British Museum, nous invitant à réfléchir à qui est invité dans ces espaces. Depuis le lancement de la série il y a 15 ans, les musées ont commencé à élargir leurs collections et leur programmation pour inclure des artistes noirs.
Alors que les institutions culturelles du monde entier sont fermées indéfiniment et que les annonces de mises à pied ou de licenciements sont fréquentes, Weems garde espoir. « Une catastrophe nous a amené dans un nouvel endroit, mais c’est un endroit où nous devions nous rendre de toute façon. Nous avons eu besoin d’une réinstallation culturelle et sociale pendant très longtemps et ce virus soulève toutes ces questions de manière générale », a fait remarquer M. Weems. « C’est peut-être dans 15 ou 20 ans, mais les musées vont devoir changer ».

-Harley Wong
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Isaac Julien

Galerie Jessica Silverman, San Francisco

Isaac Julien, vue de l’installation « Isaac Julien’s America » à la Jessica Silverman Gallery, San Francisco, 2020. Photo par John Wilson White. Avec l’aimable autorisation de l’artiste ; Victoria Miro Gallery, Londres ; et Jessica Silverman Gallery, San Francisco.

Les interprétations distinctives de l’Amérique de l’artiste britannique Isaac Julien sont ancrées dans une série de lettres personnelles écrites par son grand-père, qui vivait à Brooklyn, à sa mère, qui vit à Londres. Sa dernière exposition personnelle à la Jessica Silverman Gallery, « Isaac Julien’s America », invite les spectateurs à un voyage à travers l’histoire mondialisée de la nation avec trois pionniers noirs : Frederick Douglass, ancien esclave, orateur et réformateur social ; Matthew Henson, l’explorateur noir qui a découvert le pôle Nord ; et Angela Davis, la féministe radicale, érudite et militante pour la justice sociale.

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La série « Lessons of the Hour » (2019), nommée d’après le dernier discours de Douglass, réinterprète les moments importants de sa vie à travers des photographies couleur de grande taille et une installation cinématographique sur 10 écrans. Une image particulièrement saisissante, J. P. Ball Studio, 1867 Douglass (Lessons of the Hour), voit un sosie de Douglass assis dans un studio photo au milieu de divers accessoires. Avec l’expression stoïque du sujet, l’image fait un clin d’œil aux photographies iconiques de Douglass prises par le photographe historique américain J.P. Ball. « Lyrics of Sunshine and Shadow », une série de petits portraits en noir et blanc en ferrotype, est inspirée d’un poème de Paul Laurence Dunbar, l’un des premiers poètes noirs très acclamés et influents.

-Daria Harper
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Rineke Dijkstra

Galerie Marian Goodman, Londres

Rineke Dijkstra, vue de l’installation à la Marian Goodman Gallery, Londres, 2020. Rineke Dijkstra. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la Marian Goodman Gallery, New York/Paris/Londres.

L’exposition de Rineke Dijkstra à la Marian Goodman Gallery est sa première exposition individuelle au Royaume-Uni depuis 2010, et cet intervalle d’époque semble approprié pour le travail exposé. Les photographies présentées ici sont des archives du temps, des années de formation, de la croissance et du changement, intitulées selon le format habituel de Dijkstra – une liste de noms, de dates et de lieux de style catalogue. Beaucoup d’entre elles, comme la série « Chen et Efrat » (1999-2005), capturent des unités familiales sur plusieurs années, tandis que d’autres, comme Marianna et Sasha, Kingisepp, Russie, 2 novembre 2014 (2014), capturent des moments spécifiques de rassemblement.

 

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Le thème de la proximité est mis en relief de façon particulièrement frappante lorsqu’il est considéré dans le contexte de l’auto-isolement. Si l’objectif de Dijkstra est avant tout axé sur ses sujets principaux, il est difficile de ne pas lire dans les arrière-plans et les espaces intermédiaires, qu’il s’agisse de la verdure du Parque de la Ciudadela, Barcelone, 4 juin 2005 (2005) ou de l’ennui domestique trop familier d’Alessandro et Sofia, Londres, 9 février 2020 (2020).
La pièce vidéo à trois canaux Night Watching (2019) s’intéresse également à la proximité et se concentre sur une scène qui nous manque sûrement à tous : l’expérience partagée de voir et de parler de l’art. La pièce met en scène 14 groupes différents qui discutent La Garde de nuit (1642) de Rembrandt au Rijksmuseum. Alors que le communiqué de presse de l’exposition la décrit comme une exploration des « différentes façons dont un spectateur peut se rapporter à une peinture et à son sujet », le sujet semble maintenant beaucoup plus simple et plus riche sur le plan émotionnel : un poème sur les possibilités qui découlent du simple fait d’être proche les uns des autres.

-Justin Kamp
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Jeannette Montgomery Barron

Galerie Patrick Parrish, New York

Jeannette Montgomery Barron, vue de l’installation « Artist Portraits from the 80’s » à la Patrick Parrish Gallery, 2020. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la Patrick Parrish Gallery, New York.

Les portraits d’artistes des années 80 de Jeannette Montgomery Barron offrent un portail vers une époque historique du monde de l’art new-yorkais. Barron a commencé à tourner la série lorsque son ami, le marchand d’art Thomas Ammann, lui a donné une liste de numéros de téléphone d’artistes. « J’ai juste pris le téléphone et demandé si je pouvais les photographier », a-t-elle déclaré.
En choisissant un format en noir et blanc et une mise au point douce, Barron a rapidement suscité un sentiment de nostalgie et de création de mythes. Elle joue l’intensité d’Alex Katz.
Elle le capture en chemise blanche, face à un piano, et projette une ombre inquiétante sur le mur derrière lui. Bianca Jagger est plus glamour que jamais, ses boucles sombres sont doucement moussues et sa bouche est à moitié ouverte dans une moue séduisante. Andy Warhol est assis sur une fourrure de chat rayée, son expression fermée et ses bras croisés le faisant paraître impénétrable. C’est un plaisir particulier que de contempler le visage nu et sans artifice de Cindy Sherman ce maître du déguisement. « Elle était timide. Comme moi », se souvient Barron.

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Aussi audacieux et intemporels que les sujets de Barron puissent paraître, le spectateur contemporain sait mieux que quiconque. Warhol, William S. Burroughs, Robert Mapplethorpe et beaucoup d’autres ont disparu depuis longtemps. Mary Boone est en prison. Brice Marden lutte contre le cancer. En 1992, la peintre Moira Dryer
est décédé à l’âge de 34 ans des suites de la maladie. Le spectre de la maladie et de la mort hante les cadres de rechange de Barron, transformant ses sujets créatifs en rappels fantomatiques que seul l’art – et non ses créateurs – est éternel.
Barron – qui a également réalisé des séries de miroirs, de photos de Rome et des vêtements de sa mère – publie une nouvelle édition de ses portraits d’artiste, destinée aux jeunes collectionneurs, à l’occasion de cette exposition chez Patrick Parrish.

-Alina Cohen
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« Un tiers d’une nation : Les photographies de l’administration de la sécurité agricole ».

Lewis Hunter, client noir, avec sa famille, Lady’s Island, Beaufort, Caroline du Sud, juin 1936
Galerie Howard Greenberg

Dans les années 1930, alors que la Grande Dépression et le Dust Bowl dévastent le pays, des photographes comme Walker Evans, Dorothea Lange, Gordon Parks et Marion Post Wolcott a documenté, entre autres, le dénuement et la pauvreté qui sévissent dans le pays. Employés par la toute nouvelle Administration de la sécurité agricole (FSA) de la FDR entre 1935 et 1943, les photographes ont passé des mois à voyager à travers l’Amérique. Ils ont capturé ce que les mots ne pouvaient pas capturer et ont permis de voir des individus autrement invisibles.
Près de 80 000 images ont été prises dans le cadre de ce programme, dont beaucoup allaient marquer la carrière des photographes. Ces portraits sobres d’enfants, de travailleurs et de familles en difficulté ont donné à la photographie documentaire une nouvelle agence – et tout à coup, les photographies sont devenues de puissants catalyseurs du changement social.

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Actuellement exposée à la galerie Howard Greenberg, « One Third of a Nation » : The Photographs of the Farm Security Administration » expose plus de 50 de ces photographies en noir et blanc d’Evans, Lange, Parks et Wolcott, ainsi que des œuvres de Russell Lee, Carl Mydans, David Robbins, Arthur Rothstein, Peter Sekaer
et Ben Shahn. Aujourd’hui encore, ces images sont considérées comme l’un des meilleurs exemples de photographie documentaire moderne.
Il est remarquablement visionnaire que ce spectacle ait lieu en ce moment même, alors que nous nous préparons à l’impact précipité de la pandémie COVID-19. Le communiqué de presse de l’exposition se termine par une déclaration opportune : « Les images ont prouvé sans équivoque que la nation devait agir. »

-Shannon Lee
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