5 artistes en vedette en janvier

« Artists on Our Radar » de Artsy est une série mensuelle produite en collaboration par les équipes de rédaction et de conservation d’Artsy. En utilisant l’expertise artistique de nos rédacteurs et les points de vue uniques de nos conservateurs ainsi que l’accès aux données d’Artsy, chaque mois, nous mettons en avant cinq artistes qui ont retenu notre attention. Pour faire nos sélections, nous avons déterminé quels artistes ont eu un impact au cours du mois dernier par le biais de nouvelles représentations de galeries, d’expositions, de ventes aux enchères, de foires d’art, de salles de visionnage ou de demandes de vente sur Artsy.

Clare E. Rojas

B. 1976, Columbus, Ohio. Vit et travaille à San Francisco.

L’estimée artiste et musicienne Clare E. Rojas, basée dans la région de la baie de San Francisco, a rejoint la galerie Jessica Silverman en septembre 2020 et y ouvrira sa première exposition personnelle cette année. Rojas, qui a participé à la récente exposition en ligne de Jessica Silverman pour Art Basel à Miami Beach, aborde la création artistique comme un moyen de raconter une histoire. Dans l’art et la musique, ses paroles musicales informent souvent ses œuvres et vice versa, elle distille des récits jusqu’à leurs éléments les plus cruciaux.

Grâce à sa pratique artistique, qui couvre la peinture, le dessin, la gravure et les peintures murales, Rojas se plonge dans la figuration et en sort. Son travail récent s’est concentré sur des formes singulières, qu’elle crée instinctivement ou qu’elle soulève de son environnement naturel. Ces formes sont au cœur de ses œuvres, qui vont des blocs de couleur abstraits et durs aux oiseaux et aux motifs floraux rendus à plat, en passant par des peintures figuratives représentant des humains ou des animaux naviguant dans des paysages énigmatiques. Elle a souvent représenté des protagonistes féminins, explorant les notions de « travail de femme » et les questions de genre. « J’aime représenter les femmes dans leurs moments de force, avec une grâce et une vulnérabilité que je crois courageuses », a déclaré Rojas dans une interview accordée en 2019.
Les œuvres de Rojas font partie des collections permanentes de grandes institutions, dont le Whitney Museum of American Art, le Walker Art Center et le Denver Art Museum. -Casey Lesser

Faye Wei Wei

B. 1994, Londres. Vit et travaille à Londres.

L’artiste britannico-chinoise Faye Wei Wei a attiré l’attention de tous grâce à ses œuvres figuratives éthérées. Présentée dans des publications allant de British Vogue à Dazed, cette ancienne élève de la Slade School of Fine Art fait vraiment sensation. Après une succession d’expositions personnelles récentes, notamment à la Cob Gallery et à la Galerie Kandlhofer, la jeune artiste continue d’étendre sa pratique, en incorporant des teintes plus profondes et des récits frais dans ses peintures.
Bien que ses inspirations incluent Fra Angelico, la poésie et le folklore, ancrent ses œuvres dans la mythologie classique. L’artiste adopte des récits non linéaires pour explorer les thèmes de l’amour et de la performance des sexes. Ses œuvres sont quelque peu énigmatiques et font souvent appel au symbolisme.

Ses peintures de grand format sont intimes, composées de coups de pinceau gestuels et de tons pastels. Elle applique de fines couches de peinture expressives pour créer des figures oniriques au milieu d’une mer de soleils, de lunes et de fleurs. Sur le plan stylistique, il y a des éléments du romantisme
dans sa pratique, mais son travail et ses marques sont indéniablement contemporains. « Travailler avec de grandes toiles signifie que la peinture ressemble à une performance, le mouvement de la peinture est comme une danse, tant elle est intuitive », a déclaré Wei Wei dans une interview accordée au magazine AnOther. -Adeola Gay

Mark Yang

B. 1994, Séoul. Vit et travaille à Jersey City, New Jersey.

Mark Yang, récemment diplômé du MFA de Columbia, n’en est peut-être qu’à ses débuts, mais ses toiles colorées et tourbillonnantes de lutteurs ont déjà été exposées dans des galeries de New York et de Los Angeles. Dans son travail, Yang réimagine et reconsidère deux tropes historiques de l’art : le nu idéalisé et les représentations d’une grande force. Tout comme les grands lutteurs de marbre sculptés dans la Grèce hellénistique ou George Bellows, les peintures frénétiques de Yang sur la scène de boxe underground de New York, le travail de Yang contemple la masculinité et explore l’acte d’imprégner le mouvement dans une image statique. Ses lutteurs font preuve de douceur et de force, emmêlés devant des plans de couleur éblouissants et des paysages oniriques.

L’expérience de Yang à l’école supérieure, comme beaucoup d’autres, a pris un tournant inattendu avec l’apparition de la COVID-19. Alors que de nombreux diplômés de 2020 s’inquiétaient du sort de leurs expositions de thèse, Yang et ses camarades de classe à Columbia ont eu la chance de monter une exposition en ligne, « Alone Together », avec Steve Turner, après que ce dernier se soit connecté avec la camarade de classe de Yang, Susan M B Chen. En 2021, l’exposition de la thèse de Yang, reportée, sera présentée à la Wallach Art Gallery de Columbia. -Sarah Dotson

Jesse Krimes

B. 1982, Lancaster, Pennsylvanie. Vit et travaille à Philadelphie.

L’exposition la plus récente de l’artiste, « American Rendition », à la galerie Malin, a fait l’objet de critiques dans presque toutes les grandes publications artistiques, de Art in America à Hyperallergic. L’exposition présente une série de quilts (courte pointe) représentant des scènes domestiques, dans lesquels chaque choix artistique est associé à des histoires et des symboles d’incarcération massive en Amérique, à l’échelle nationale et individuelle.
L’artiste et militante basée à Philadelphie a rassemblé certains des matériaux et sujets des quilts dans le cadre d’une série d’ateliers avec des hommes incarcérés dans la prison de Graterford en Pennsylvanie, et les a co-créés avec les personnes employées dans le système de justice pénale local, comme la police, les juges et les agents de libération conditionnelle. Les chaises vides qui figurent dans de nombreux quilts symbolisent leurs souvenirs de chez eux et de la disparition de membres de leur famille dans le système pénal, et servent de mémorial pour ceux qui ont été perdus dans les prisons de la COVID-19. « Les meubles et les intérieurs sont pour la plupart faits de vieux vêtements et servent d’attente symbolique pour le corps qui aspire à revenir », a expliqué Mme Krimes.

Après avoir purgé une peine de six ans de prison, Krimes a cofondé Right of Return USA, un programme de bourses destiné à soutenir les artistes précédemment incarcérés. Les œuvres de Krimes peuvent également être vues dans l’exposition « Marking Time : Art in the Age of Mass Incarceration » au MoMA PS1 à Long Island City (jusqu’au 4 avril 2021), aux côtés de ses collègues artistes de Right of Return, Daniel McCarthy Clifford, James « Yaya » Hough et Russell Craig.
Ces artistes, qui apportent visibilité et humanisation à ceux qui sont cachés et maltraités par le complexe industriel carcéral, sont essentiels pour réimaginer ce à quoi devrait ressembler un système judiciaire en Amérique. -Sarah Gottesman

Troy Chew

B. 1992, Los Angeles. Vit et travaille à Los Angeles.

Lors de la présentation en ligne de la salle de visionnage d’Altman Seigel pour Art Basel à Miami Beach en décembre dernier, une œuvre du jeune artiste Troy Chew, basé à Los Angeles, a été répertoriée comme vendue peu après le début de l’avant-première VIP. Diplômé en 2018 du California College of the Arts (CCA), Chew crée des œuvres qui mettent en lumière les contributions des artistes noirs à la culture populaire, avec un accent particulier sur la culture hip-hop. Par exemple, sa première série « Out the Mud » fait référence au trope communément utilisé dans les milieux du rap et du hip-hop pour désigner ces talents émergents qui trouvent le succès malgré des débuts modestes. Chew a visualisé cette idée au sens propre et au sens figuré dans la série en superposant des tissus de boue – un textile traditionnel du Mali en Afrique de l’Ouest – à des toiles d’hop montrant des scènes de sujets noirs riches et accomplis.

Chew s’est inspiré de sa série « Slanguage » l’automne dernier dans l’exposition « Yadadamean » aux expositions CULT Aimee Friberg à San Francisco. La série de natures mortes « Slanguage » fait référence à des termes d’argot pour des thèmes populaires dans la musique et la culture rap, comme pain, fromage et bacon (bread, cheese et bacon) pour signifier l’argent. Peintes dans le style des natures mortes des vanitas flamandes des XVIe et XVIIe siècles, les œuvres imaginent une histoire dans laquelle la culture noire était reconnue au sein des beaux-arts, surtout à une époque où elle était exclue et non représentée.

À l’automne 2020, la nouvelle série de Chew « Three Crowns », composée de trois peintures en forme de dents – représentant le nombre de dents perdues par Chew lors d’une attaque policière – a été exposée dans « Fuck the King’s Horses and All the King’s Men » à la galerie Parker de Los Angeles. La série explore l’évolution de la dentisterie esthétique et l’utilisation des grilles dans le hip-hop et la culture dominante.
Depuis sa sortie du CCA, Chew a largement exposé dans des galeries de toute la Californie. Il a été nommé artiste en résidence sur Facebook en 2019 et a reçu le prix Tournesol 2019-2020, ainsi qu’une résidence d’artiste au Headlands Center for the Arts en 2018. -Juliana Lopez

 

Via Artsy

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