Mélangez pixelation précise et abstraction brumeuse
Je suis tellement fan de ce type d’art ! L’artiste britannique Jason Anderson crée des paysages urbains abstraits à l’aide de taches pixelisées de peinture à l’huile de couleur pastel. Chaque œuvre sur lin a un point focal unique de jaune vif qui représente généralement le soleil levant ou couchant, bien que dans la peinture ci-dessus, l’éclairage provienne d’un train d’approche. Anderson équilibre le naturel et l’artificiel en mettant principalement en vedette des infrastructures – navires, marinas, trains, bâtiments – qui semblent petites et lointaines dans chaque brume pastel. La carrière d’Anderson a commencé avec des projets de restauration de vitraux dans des cathédrales et il affirme que sa formation en conception et réparation de vitraux à la manière d’un puzzle continue de guider son style de peintre. Regardez d’autres de ses peintures sur Instagram et Twitter. (via This Isn’t Happiness) Publicités
Gibbs Farm en Nouvelle Zélande : un gigantesque jardin de sculptures regorgeant de curiosités innovantes.
En 1991, l’entrepreneur et collectionneur d’art Alan Gibbs a acheté une propriété sur l’île du Nord de la Nouvelle-Zélande qui est maintenant connue sous le nom de Gibbs Farm. Immédiatement après son achat, Gibbs savait que la propriété finirait par devenir le lieu de rencontre par excellence des sculptures géantes et des terres agricoles ondulées. Au cours des 25 dernières années, Gibbs a embauché 22 sculpteurs renommés de partout dans le monde pour construire des sculptures abstraites imposantes sur les collines ondulantes de la parcelle de 1 000 acres. Chaque mois, la ferme est ouverte au public pendant une journée, au cours de laquelle les visiteurs auront l’ultime chance d’assister à l’adaptation unique de sculptures novatrices à un environnement extérieur. L’une des sculptures les plus célèbres de la ferme Gibbs est peut-être « Horizons » de Neil Dawson, qui ressemble à un gigantesque morceau de tôle ondulée au sommet d’une colline. Bien…
Des projections d’art immersives sur les mégalithes dans une maison de bain japonaise
Reconnue pour ses installations immersives et axées sur la technologie, l’équipe du studio d’art et de technologie japonais TeamLab lance une installation qui transforme les ruines d’anciens bains publics en œuvres d’art projetées inspirées de la nature. La magnifique pièce Megaliths in the Bath House Ruins fait partie d’une exposition nocturne plus vaste intitulée A Forest Where Gods Live,, qui s’étend sur les 500 000 mètres carrés du parc Mifuneyama Rakuen, sur l’île japonaise de Kyushu. Les créatifs du TeamLab ont installé une série de grands « mégalithes » qui semblent émerger du sol de la maison de bains abandonnée du parc. « Les bains publics ont été construits à l’époque moderne, mais après peu de temps, ils ont été abandonnés, devenant un espace-temps où le temps s’était complètement arrêté « , explique teamLab. « Et ce groupe de mégalithes est aussi une masse composée d’espace-temps comprimés où le flux du temps varie. Ici, divers…
L’artiste recrée les vibes rafraîchissantes et le bleu de l’été californien en utilisant uniquement du denim
L’État d’Or de Californie est en train de se réinventer dans une vague de teintes bleues grâce à l’artiste denim Ian Berry. L’artiste londonien se trouvait sous le soleil de San Francisco en train de monter une grande installation, lorsqu’un voyage à Los Angeles lui a permis de reconnaître et d’apprécier l’atmosphère et l’énergie de son environnement. « Il y a quelque chose à propos de la luminosité, de l’ambition, des vibrations positives « , dit Berry à My Modern Met, » et d’une certaine façon, c’était une pause par rapport au Brexit Britain pour moi « . C’est là qu’a commencé son concept pour sa prochaine série artistique, intitulée à juste titre Hotel California. « Enfant des années 80, j’aime aussi la Californie et Los Angeles, admet Berry. « Vous pensez aux films, à la positivité pour l’avenir. C’était optimiste. J’ai commencé là-bas, mais j’ai refusé, donc, un peu comme Hotel California… » Cette…
3 peintures emblématiques de Frida Kahlo renaissent avec les chaussures de skate Vans
Même si votre itinéraire d’été n’inclut pas Mexico City (ou Nashville, Tennessee, où le Frist Museum accueille Frida Kahlo, Diego Rivera, et Mexican Modernism de la Collection Jacques et Natasha Gelman jusqu’au 2 septembre). S’inspirant de la collection du Musée Doc Marten, Vans lance trois chaussures inspirées des œuvres les plus emblématiques du peintre, Les deux vendredis de 1939, Autoportrait avec collier d’épines et colibri des années 1940 et, pour ceux qui préfèrent une chaussure plus subtilement inspirée des Frida, la Viva la Vida de 1954, rafraichissante et fruitée. La collection Frida Kahlo en édition limitée arrive sur les tablettes le 29 juin. Attendez-vous à ce que les Waffleheads, le groupe de collectionneurs et de personnalisateurs dévoués, s’en emparent rapidement, alors ne tardez pas. Si cette ligne ne chatouille pas votre fantaisie, il y a bien sûr une abondance de chaussures hommage Frida Kahlo sur Etsy, des huaraches et Converse…
Les 150 applications qui font tourner la gig economy
Voici 150 applications qui alimentent l’économie des petits boulots : la Gig Economy. Remontez une décennie en arrière, et vous auriez du mal à convaincre n’importe qui qu’il serait » employé » grâce à une application sur son téléphone. Et pourtant, en peu de temps, l’émergence du smartphone a permis à cette économie de prospérer dans un marché mondial de plusieurs milliards de dollars. Et grâce à des applications comme Uber, Airbnb et Etsy, on estime que 57 millions de personnes aux États-Unis participent maintenant à la Gig Economy chaque année, sous une forme ou une autre. Quelles applications ces personnes utilisent-elles pour transformer leur temps, leurs compétences, leurs passe-temps ou leurs biens (voiture, maison, places de stationnement, etc.) en sources de revenus supplémentaires ? Exemples d’applications L’infographie vient de TitleMax, et il énumère 150 applications différentes qui sont utilisées dans la Gig Economy – y compris beaucoup qui payent directement les…
Les scènes miniatures de Slinkachu : commentaire sur la culture de consommation
Depuis 13 ans, le miniaturiste engagé Slinkachu crée des scènes à peine perceptibles à découvrir par des passants peu méfiants. L’artiste londonien utilise de minuscules mannequins dont la taille minuscule crée des scénarios humoristiques et provocateurs. Slinkachu commente souvent l’actualité et les dynamiques sociales dans son travail. Une installation du Musée des Beaux-Arts de Gand présente un sac à main posé nonchalamment sur un banc de galerie, qui s’avère être une méta-galerie. À l’intérieur du sac à main, de petits personnages admirent des symboles glorifiés de la culture de consommation, comme des cartes de crédit encadrées et des sculptures de rouge à lèvres. Le travail de Slinkachu est exposé jusqu’au 22 juin 2019 lors d’une exposition en duo avec Jaune à Thinkspace à Culver City, en Californie. Vous pouvez en voir plus depuis Slinkachu sur Instagram, où l’artiste partage souvent des vidéos qui aident à contextualiser l’échelle de ses installations. View this post…
Une oeuvre animée géniale
Pour le festival D&AD (Design and Art Direction), qui s’est récemment tenu à Londres, Shutterstock a commandé à la muraliste et modéliste INSA (précédemment) une œuvre interactive. Regardée à travers l’application « GIF–iti » de l’artiste graffeur, la murale en plusieurs parties la murale en plusieurs parties, intitulée « File Under:Unresolved », prend vie dans une animation en boucle. De multiples fenêtres d’images de travail sont remplies de contenu visuel de la médiathèque de Shutterstock, allant du joyeux cœur arc-en-ciel de Lisa Frank-esque à un cadeau de stock d’un homme d’affaires brisant son ordinateur portable. Parmi les fenêtres d’image de travail se trouvent trois dossiers de fichiers, constamment survolés par un curseur en forme de flèche. Dans une déclaration de INSA, on peut lire : « J’espère que l’œuvre fera réfléchir les créatifs à ce qu’ils pensent d’eux-mêmes, de leur travail, des délais interminables et de l’utilisation de leur temps dans la vie ». Cette murale augmentée…
Les médias sociaux sont une atteinte à nos sens. Maintenant, c’est littéralement un arme, aussi
Ce pistolet tire des émoticônes sur votre visage, tout comme Facebook ! Les émoticônes de Facebook vous aident à exprimer votre soutien, votre chagrin et votre amusement en un clin d’œil. Mais ils peuvent aussi nous donner l’impression d’agresser nos sens. L’artiste Tadas Maksimovas démontre la violence émotionnelle provoquée par Facebook de façon tout à fait littérale, avec un pistolet émotigun, un pistolet élastique. Construit par Martijn Koomen, son cadre est découpé dans du contreplaqué de 4 mm, tandis que le tir est alimenté par des élastiques, un moteur d’essuie-glace et une batterie 12 volts. Ses balles sont des emoji en mousse de caoutchouc haute performance qui peuvent maintenir leur intégrité jusqu’à -30°C (au cas où quelque chose aurait besoin d’être photographié dans l’Arctique). A pleine vitesse, l’emotigun peut tirer 10 emojis par seconde, directement sur le visage de Maksimovas. Pour Maksimovas, l’inspiration du projet n’était en fait pas une…
Peindre à l’infini : Roman Opalka
En 1965, le peintre polonais d’origine française Roman Opalka a commencé à travailler sur sa série de tableaux OPALKA 1965/1 – ∞. Commençant dans le coin supérieur gauche d’une toile, il peint le chiffre « 1 », puis « 2 », puis « 3 », et ainsi de suite, jusqu’à ce que la toile soit pleine de nombres entiers consécutifs. En haut de la toile suivante, il reprenait là où il s’était arrêté, puis continuait à aller de toile en toile. En 1970, Opalka abandonne le travail sur autre chose et se consacre uniquement à remplir les toiles de chiffres. De Hyperallergic : Il poursuivait ce point culminant quotidiennement, huit heures par jour, jusqu’à ce que le processus de peinture le conduise au « blanc/blanc », c’est-à-dire des chiffres blancs sur une toile avec un fond peint en blanc, le même que les chiffres. Après trois ans (1968, peut-être 1969), Opalka a commencé à ajouter 1% de pigment…
Ces pépites sur Tik Tok
Je ne passe pas assez de temps sur l’application TikTok pour dénicher ces petites merveilles, mais quand je prends un moment pour me distraire en ouvrant l’application, j’y passe sans problème 15 minutes ! Et voici, la vidéo qui m’a fascinée ce matin :
Comprendre 11 grands artistes à travers les instructions qu’ils ont laissées derrière eux
L’art a le pouvoir de mystifier. Vous en avez fait l’expérience si vous vous êtes approché d’une œuvre d’art, si vous vous êtes arrêté et si vous avez pensé : « Comment ont-ils fait ça ? » Une telle rencontre peut vous laisser espérer obtenir des instructions de l’artiste sur la façon dont l’œuvre d’art a été planifiée, fabriquée ou exécutée. En fait, ces instructions existent, et certaines sont même considérées comme des œuvres d’art à part entière. Artsy revient là-dessus : Les « dessins d’instruction », comme on les appelle, sont des esquisses et des notes préparatoires ; ils peuvent même être les restes solennels d’une œuvre qu’un artiste a imaginée, mais qu’il n’a jamais réalisée. Plus tôt cette année, le Musée d’art moderne a reçu un don de 800 œuvres de la Gilbert B. and Lila Silverman Instruction Drawing Collection, y compris un dessin préparatoire pour la sculpture Head of Girl de…
Flou des dimensions dans les illusions d’optique minimalistes d’Aakash Nihalani
Aakash Nihalani est connu pour ses interventions illusionnistes qui repoussent les frontières entre 2 et 3 dimensions. Bien qu’il ait commencé à utiliser le ruban adhésif pour former des installations éphémères, ces dernières années, Nihalani s’est installé en territoire plus permanent, travaillant le bois et le métal pour former des sculptures autoportantes et murales. Tout au long de sa pratique, l’artiste travaille avec des formes géométriques simples et des palettes de couleurs noir et blanc minimales accentuées de néons. Nihalani, originaire du Queens, New York, est diplômée de l’école Steinhardt de l’Université de New York en 2008. Découvrez d’autres de ses installations bouleversantes sur Instagram.
Le prochain grand projet de Christo est en cours de réalisation depuis 60 ans
L’Arc de Triomphe, qui a été victime de vandalisme au cours des derniers mois lors des manifestations des Gilets Jaunes, sera enveloppé dans un tissu brillant dans un projet conçu par Christo et sa partenaire posthume Jeanne-Claude. En 1962, les artistes bulgares et franco-américains Christo et Jeanne-Claude, aujourd’hui célèbres dans le monde entier pour leur » enveloppement » de tissus à grande échelle de monuments architecturaux et de paysages naturels, ont voulu envelopper L’Arc de Triomphe. Bien que leur vision d’une grande œuvre d’art public à Paris soit loin d’être controversée, ce fut une période turbulente en France et, avec De Gaulle au pouvoir, le projet n’a jamais vu le jour. Dans un an, près de 60 ans après l’avoir proposé pour la première fois, leur vision se concrétisera enfin. A l’époque, Christo et Jean-Claude vivaient ensemble en jeune couple marié et en couple artistique dans une chambre louée près du célèbre…
Immersed Birds de Moisès Hernandes
L’artiste mexicain Moisés Hernández traduit son amour du minimalisme par le plumage coloré d’oiseaux dans Immersed Birds. Chaque sculpture en bois massif – un toucan, un colibri et un quetzal mexicain choisis pour leur gamme de couleurs – présente une palette bien pensée d’aquarelles plongées en chevauchement et dégradé transparent. L’une des principales caractéristiques des oiseaux sont les couleurs incroyablement saturées de leurs plumes. Toucan, colibri et quetzal mexicain ont été choisis en raison de leur gamme chromatique éclatante. Dans le but de générer un dialogue équilibré entre les objets faits à la machine et les objets faits à la main, nous avons réalisé des formes douces et continues usinées avec la technologie CNC en contraste avec la peinture faite à la main par immersion dans de l’eau colorée, une technique expérimentale que nous avons développée pour ce projet et qui donne aux oiseaux une personnalité unique. Cette technique de…
Découvrez les scènes d’art dans 6 villes avec les guides d’Artsy et BMW
Du constructeur automobile de luxe BMW et Artsy (la plate-forme qui a enseigné à beaucoup comment naviguer sur le marché difficile de l’art) vient un nouveau service de guide de la ville qui permettra aux utilisateurs de trouver des galeries, des expositions et même des foires dans les hubs du monde artistique. Lancés le 25 mars en collaboration avec Art Basel Hong Kong, les guides apparaîtront comme une nouveauté dans l’application Artsy. De plus, ils contiendront un niveau de personnalisation prenant en considération les œuvres d’art, les artistes et les galeries que chaque utilisateur Artsy existant a préféré dans son profil. Bien sûr, on peut aussi acheter ou faire une offre sur l’art qu’ils voient directement à travers l’application. Les six premières villes sont Londres, Paris, Berlin, Hong Kong, New York et Los Angeles. En savoir plus sur cet ajout basé sur GPS à l’application Artsy iPhone sur Bloomberg.
Les belles illustrations en papier découpé d’Eiko Ojala
Vous pouvez voir d’autres dessins d’Ojala sur son Instagram et Behance.
Une étude révèle que les artistes deviennent célèbres grâce à leurs amis et non grâce à l’originalité de leur travail
Dans une exposition sur la naissance de l’abstraction au Museum of Modern Art de New York en 2012, les commissaires ont souligné la manière dont les artistes ont pu s’influencer mutuellement. Intitulé « Inventer l’abstraction : 1910-1925« , l’exposition a illustré plus de 80 artistes s’écartant radicalement des traditions de l’art figuratif, et s’est ouverte sur un grand diagramme représentant leur réseau pour montrer qui se connaissaient (dont une version interactive est en ligne), avec les plus connectés, comme Pablo Picasso et Wassily Kandinsky, vers le centre. Alors qu’elle travaillait sur l’exposition avec ses collègues, la commissaire de l’exposition Leah Dickerman (aujourd’hui directrice de la stratégie éditoriale et du contenu du MoMA) a été influencée en partie par un cours qu’elle avait suivi avec Paul Ingram, professeur à la Columbia Business School et chercheur principal de Chazen, sur la façon dont les conservateurs peuvent utiliser leur réseau professionnel pour réussir. Ingram a…
Pourquoi nous intéressons-nous au temps qu’il faut aux artistes pour faire leur travail ?
Dans les peintures de Lynette Yiadom-Boakye, des coups de pinceau rapides se transforment en figures inventées sur des fonds abstraits et moroses. Dans Invincible (2018), par exemple, un garçon torse nu – un personnage fictif, comme tous les sujets de Yiadom-Boakye – est assis de profil sur un rebord rouge et noir. Il écrit sur une feuille blanche d’une main, tenant son siège de l’autre. Le haut de son corps apparaît sur une toile de fond brune et ombragée, plus claire autour du sommet de sa tête. La toile nubby est visible sous la peinture, ce qui suggère que l’artiste a appliqué des coups de pinceau fins et vifs. L’œuvre est inégale mais immédiate ; son sacrifice d’une surface plus travaillée permet une apparence vulnérable et nue. En effet, Yiadom-Boakye réalise fréquemment ses toiles en une seule journée. Selon Tamsen Greene, directrice principale de la Jack Shainman Gallery, c’est en…
Pouvez-vous faire la différence entre Rembrandt et un algorithme ?
L’artiste espagnol Sergio Albiac a utilisé l’AI pour créer une série de portraits si profondément humains qu’ils auraient pu être signés par le maître néerlandais lui-même. Très peu d’artistes dans l’histoire du monde ont été capables de capturer la nature des gens avec la précision, l’humanité et l’humour des maîtres néerlandais comme Rembrandt ou Hals. Une machine pourrait-elle un jour être entraînée à faire la même chose ? C’est la prémisse de la série de Sergio Albiac, You have learnt nothing. Vous n’avez rien appris. Comme le travail qui est sorti de l’âge d’or de la peinture hollandaise, ces peintures peuvent ressembler au produit de l’huile, des pinceaux et des doigts. Mais, comme le reste du travail d’Albiac, ces portraits sont en fait le résultat du code informatique de l’artiste. Cette série, comme beaucoup d’autres projets similaires, a été créée à l’aide d’un Generative Adversarial Network (réseaux adverses génératifs)qu’Albiac a…
Les visages en bois pixélisés de Gil Bruvel révèlent des explorations abstraites de couleurs lorsqu’ils sont exposés au verso
Pour ses sculptures figuratives inhabituelles, l’artiste Gil Bruvel divise des longueurs de bois d’œuvre en bâtonnets maniables qu’il arrange et peint dans des tons clairs de bleus, de verts et de rouges. D’un côté, les pièces de bois se configurent en visages au repos dans des expressions pacifiques, tandis que de l’autre, elles restent confuses et abstraites. Les sculptures pixélisées apparaissent comme des pièces sophistiquées de pin art tridimensionnel qui révèlent des images permanentes de visages, au lieu d’impressions temporaires d’un nez ou d’une main. Des pièces de la série, Bending the Lines, seront exposées sur le stand de la Galerie Federic Got dans le cadre de l’exposition LA Art du 23 au 27 janvier 2019. Vous pouvez voir plus de sculptures de Bruvel sur son site web et Instagram.
Comment Nefertiti est devenu un symbole puissant dans l’art contemporain
Depuis sa découverte au début du XXe siècle, le buste de Néfertiti, œuvre de calcaire et de stuc réalisée par le sculpteur Thoutmosis vers 1345 av. J.-C., a cimenté l’importance de la reine d’Égypte ancienne comme icône mondiale de la pop-culture. La Nefertiti, de la tristement célèbre sculpture, porte sa couronne, une coiffe bleu royal avec en bandeau un diadème doré et des motifs élaborés, qui suggèrent une puissance agrémentée d’une esthétique élégante. En dessous, son visage, symétrique, posé dans sa beauté, rappelle l’attrait qui a fait du buste de Nefertiti l’une des œuvres d’art les plus durables du monde. Témoignage de sa persévérance dans la culture populaire, la ressemblance de Nefertiti continue d’être réimaginée par des artistes contemporains du monde entier. Par leurs adaptations et leurs hommages, les œuvres de ces artistes comblent le fossé entre l’antiquité et la modernité. Mais la sculpture fait aussi l’objet de débats animés…
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